Pour cette nouvelle interview, nous sommes allés à la rencontre de Élise Luguern, pionnière de la musique à l’image dans le cinéma.

C’est elle qui se cache derrière les bandes sons de « Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu ? », « La vie d’Adèle », « La jalousie », « Les vacances de Ducobu » ou encore « Les infidèles », pour ne citer que quelques-uns des nombreux longs-métrages sur lesquels elle a bossé.

# L’EDS – Hello Élise ! Merci de nous recevoir et de répondre à nos questions. On est super contents de t’avoir aujourd’hui !

Pour ceux et celles qui ne te connaîtraient pas, peux-tu te présenter en quelques mots sur ton parcours, ton expérience ?

Élise – Hello !

Alors, dans les grandes lignes, j’ai commencé comme violoniste. Ensuite, j’ai vécu aux États-Unis, où j’ai monté des festivals de courts-métrages français. Puis je suis entrée chez EMI Classic, en tant qu’attachée de presse avant d’arriver chez Luc Besson, au département musique (où je suis restée 5 ans). 

Pour finir, j’ai monté ma structure de supervision musicale, accompagnée de Lucile Egal, avec qui je travaille depuis un bon nombre d’années maintenant. On s’occupe de toute la musique d’un film, d’un point de vue artistique et de production.

# L’EDS – Du coup, le métier de Music Superviser dans le cinéma, la télé, etc. c’est de gérer de A à Z la musique, et ça de tous les points de vue ?

Élise – Exactement ! 

En France, c’est différent des États-Unis, où tout est plus compartimenté : il y a celui qui va chercher les synchros, celui qui va clearer les synchros, celui qui va faire la production exécutive …. 

Ici, un superviseur musical doit gérer tous ces aspects. On est au carrefour de l’économie, de l’artistique et du juridique.

# L’EDS – Et du coup quels en sont les enjeux ?

Élise – Ma manière d’aborder ce métier est très liée à l’impératif que je me fixe de ne pas dépasser le budget, financièrement parlant. Car autant on n’a pas d’obligation d’économie, puisqu’on est dans le coût du film, autant on ne peut pas dépasser le budget. 

Juridiquement aussi, c’est de faire en sorte que la chaîne des droits soit très claire et bordée de toute part. 

Cela implique de faire attention à ce que tous les ayant-droits aient été consultés préalablement. Pour être clean juridiquement.

Enfin artistiquement, et le cœur du métier est vraiment là. En tout cas, il est la raison pour laquelle je fais ce métier. L’enjeu est de comprendre ce que le réalisateur veut et de le mettre en forme.

# L’EDS – N’est-ce pas la partie la plus « dure » du métier ?

Élise – Je ne sais pas si c’est le plus dur… Car c’est aussi ce qui est le plus excitant ! C’est ce que je fais avec le plus de plaisir. Il faut écouter un réalisateur. Lui parler… Mais pas que de son film. De plein de choses. De sa vie, de ce qu’il aime, de ce qu’il n’aime pas… On est un peu obligé de se mettre dans sa tête et de comprendre ce qu’il veut afin de ne pas trahir son propos artistique.

# L’EDS – Et si, par exemple, un réalisateur n’a pas de sensibilité musicale, comment tu arrives à gérer cette relation ?

Élise – Alors je me fais forcément une idée de la place de la musique à la lecture d’un scénario. Mais cela va être ma vision. Peut-être sera-t-elle différente de la sienne du coup. Mais l’idée, c’est de faire des propositions. De lui dire « Voilà, moi j’entendrais ça. Toi, qu’est-ce que tu en penses ? ».

Soit ça marche, soit ça ne marche pas. Mais au moins, ça va leur permettre de rebondir et de déterminer, non pas forcément ce qu’ils veulent, mais pourquoi ils n’aiment pas ce que tu viens de leur présenter. Et toi de ton côté, par élimination, tu affines tes recherches.

Parfois, en un RDV, tu as tout de suite cerné les attentes ; pour d’autres, il faut 4 à 5 réunions.

Mais en règle générale, à chaque première recherche que j’envoie, je me sens comme une bachelière qui va chercher ses résultats. Je suis complètement flippée car je me dis que je suis peut-être à côté de la plaque. Et, plus de 250 films après, ce sentiment ne m’a pas vraiment quittée.

Mais heureusement quelque part ! Sinon j’arrêterais de faire ce métier (rires). Ça voudrait dire que je suis blasée.

# L’EDS – Comment choisit-on entre musique originale et musique préexistante ?

Élise – Si on enlève l’aspect économique (puisque la musique préexistante coûte beaucoup plus cher que la musique originale), il y a des évidences au cinéma. Par exemple, pour les séquences clippées, on va généralement mettre un titre préexistant. Il y a des codes.

Il y a aussi les musiques que l’on dit diégétiques. Par exemple, une scène de fête, une scène de bar où potentiellement on se dit qu’il faudra une synchro.

Et pour les belles synchros, les belles chansons, il faut qu’il y ait de l’espace à l’image. S’il y a beaucoup de dialogues, tu ne peux pas mettre une synchro. Ne serait-ce qu’au niveau des fréquences, cela risque de se court-circuiter.

C’est véritablement au montage, et en fonction de la façon dont le réalisateur va monter son film, qu’on va pouvoir déterminer dans quelle(s) scène(s) il y a suffisamment d’espace pour mettre de la synchro.

# L’EDS – Du coup, c’est mieux de choisir pendant le montage quelles séquences a besoin de musique ?

Élise – Oui, on fait rarement un découpage musical sur scénario. Sur scénario, on fait plutôt des relevés musiques. Autrement dit, à la lecture, on voit qu’il y a une scène dans un bar ou en boîte de nuit et là, on sait qu’il va y avoir de la musique à insérer. Ces séquences-là sont faciles à identifier et à déterminer en amont. Ce travail préalable, avant le tournage, consiste aussi à faire attention à ce que l’équipe ne tourne pas avec un Mickael Jackson sur le plateau que je ne pourrais pas retirer en post-prod.

De manière générale, créer de la musique sans les images… c’est compliqué ! Et quand je l’ai fait – sur demande de la prod ou du réal – ce qu’on avait imaginé au début n’est jamais allé au bout.

Un réalisateur pendant le tournage va constituer de la matière. Mais le moment clé de la supervision musicale, c’est évidemment le montage. C’est là que la vraie histoire s’écrit, que le rythme se donne. Si tu as imaginé un thème musical plutôt lent et que le réalisateur monte finalement super « cut », cela ne va pas marcher. Cela va au contraire tout ramollir parce que le tempo de la musique ne suivra pas le tempo de l’image…

# L’EDS – Et pour le score, comment ça se passe de manière concrète ? J’imagine qu’on n’appréhende pas la musique originale de la même manière que le reste ?

Élise – Certains réalisateurs aiment bien travailler avec leurs compositeurs.

Mais certains n’ont pas d’idée(s) précise(s). Mon rôle c’est alors de proposer tel ou tel compositeur, c’est d’être prescripteur. Une question toute bête, par exemple, consiste à leur demander ce qu’ils ont aimé comme BO ces derniers temps. Des choses qui ne seront pas forcément adaptées à leur film. Mais c’est une manière de voir à quoi ils sont sensibles.

Et puis il y a des réalisateurs vont me transmettre leur scénario et me demander ce que j’en pense. J’en discute alors avec eux et je leur dis ce que j’imagine, qui on devrait solliciter sur le projet.

Je bosse avec beaucoup de réalisateurs avec qui une vraie complicité s’est créée. On connaît nos méthodes de travail et on se fait confiance.

# L’EDS – Est-ce ton rôle de briefer le compositeur ?

Élise – Oui et non ! Je dirais que je suis la porte-parole musicale du réalisateur. Il va me parler dans son langage et pas forcément avec une terminologie musicale. Mon travail va consister à traduire ses intentions et directives auprès du compositeur.

Dans le processus de composition, je vais être là au moment des briefs. Je comprends ainsi ce que le réalisateur veut. Et quand le compositeur livre, je vérifie qu’il a lui-même bien compris ce que le réal attendait.

C’est vraiment ce pour quoi je fais ce métier. Avoir les mains dans le cambouis sur la partie artistique. 

C’est vraiment ce pour quoi je fais ce métier. Avoir les mains dans le cambouis sur la partie artistique. 

# L’EDS – Du coup, tu préfères la partie score ou synchro ?

Élise – Score, clairement. Car tu crées quelque chose. Tu travailles vraiment de la matière musicale.

Pour la synchro, ce qui est très agréable c’est quand il y a un titre qui marche vraiment bien à l’image. Mais tu as moins d’input dedans… Ce n’est pas pareil.

# L’EDS – Selon toi, c’est quoi une BO de film réussie ?

Élise – Une BO de film réussie, c’est une BO dont tu ne remarques pas la musique tant elle épouse bien le film et ne nuit pas à la narration de ce dernier… Mais dont tu sors en chantant le thème ! Ça c’est classe ! (Rires).

# L’EDS – Parmi tous les projets sur lesquels tu as bossé, quels sont ceux dont tu en es la plus fière ?

Élise – Je ne peux pas répondre à cette question. (Rires)

Je vais vexer les autres si je n’en choisis qu’un. (Rires)

Non mais, blague à part, je ne peux vraiment pas choisir. 

Tu mets tellement d’énergie quand tu travailles sur un film… Clairement, tu ne peux pas choisir parce que tu les aimes tous, sincèrement.

# L’EDS – Toi qui est l’une des pionnières de la supervision musicale en France, pourquoi avoir décidé de rejoindre Josette Music Club

Élise – Et bien nous, on fait du cinéma. Eux, ils font de la pub. Et on travaille de la même manière. On fait du sur-mesure, aussi bien nous avec nos réalisateurs de films, qu’eux avec les marques. 

Et cela faisait bien trop longtemps qu’on aimait le travail l’un de l’autre pour ne pas se dire à un moment « Allez, on saute le pas ! On fait quelque chose ensemble ».

Nous ne sommes pas en train de fusionner un même marché pour devenir plus gros.

Nous travaillons main dans la main pour faire la même chose, de la même manière, mais dans des univers un peu différents et pour s’enrichir mutuellement.

# L’EDS – L’idée c’est de valoriser la musique à l’image dans tous ses aspects ?

Élise – Ah oui, c’est sûr. On a vraiment cette exigence d’artisan. Et j’ai besoin de travailler comme ça.

# L’EDS – Si ta vie était un film, quelle en serait la bande son ? En 6 titres max.

Élise – Star Wars direct. J’aime énormément ! C’est un vrai opéra. 

Et d’avoir laissé de la place pour cette force musicale là, c’est énorme. C’est rare…

La saga n’aurait pas la puissance qu’elle a sans sa musique. C’est un monument. 

Donc oui, la BO de ma vie serait Star Wars 1. Star Wars 2. Ou 3. (Rires)

# L’EDS – Merci Élise ! C’était un vrai plaisir de t’interviewer. 

On te dit à très vite pour une autre interview.

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Il était une fois… Emily In Paris !

Emily In Paris, cette série diffusée sur Netflix depuis octobre, n’a pas encore cessé de faire parler d’elle !
Il y a quelques jours, le très célèbre Billboard américain annonçait le titre « Non, je ne regrette rien » en tête du classement du Top 10 des chansons TV aux USA.

Synchronisé dans la première saison d’Emily in Paris, le titre se classe donc n°1, avec 687 000 streams (US) et près de 4 000 téléchargements, en octobre 2020.

De plus, son succès dans les ventes numériques a permis à la chanson de revenir dans le classement mondial des ventes de chansons numériques du Billboard, apparaissant d’abord à la 16ème place du classement du 3 octobre, avant de se hisser à la 6ème place la semaine suivante.

Netflix, le nouvel eldorado pour les artistes ?

Alors qu’avant on ne parlait que de synchro Pub, les synchros dans des séries Netflix seraient-elles le nouvel eldorado pour les artistes ?

À en croire le classement Billboard, on remarque que l’artiste Kid Francescoli profite également de cette belle exposition offerte par la série créée par Darren Star (Sex and the City).

En effet, son titre « Moon » (sorti en 2017) se positionne à la quatrième place du Top 10 du magazine et connait, lui aussi, un regain de streams.

On se rappellera d’ailleurs que l’artiste marseillais avait déjà fait parler de lui, grâce au buzz mondial sur Tik Tok de ce même titre. De nombreux utilisateurs mais aussi J.Lo (oui ! Jennifer Lopez elle-même) et Dwayne Johnson (alias, The Rock) s’étaient emparés de sa musique pour illustrer leurs vidéos.

Mais, quoi qu’il en soit, en regardant de plus près le classement, on constate que sur le TOP 10 des chansons TV, 8 sont issues de séries Netflix.

Top 10 :
1. « Non, Je Ne Regrette Rien, » Edith Piaf, Emily in Paris (Netflix)
2. « I Shall Believe, » Sheryl Crow, The Haunting of Bly Manor (Netflix)
3. « Fever, » Peggy Lee, The Queen’s Gambit (Netflix)
4. « Moon, » Kid Francescoli, Emily in Paris (Netflix)
5. « Bad, » U2, The 100 (The CW)
6. « Classical Gas, » Mason Williams, The Queen’s Gambit (Netflix)
7. « Burst Into Flames, » Cavale, Emily in Paris (Netflix)
8. « I’ve Got an ‘A’ in Love, » Al Hazan, Kipo and the Age of Wonderbeasts (Netflix)
9. « Venus, » Shocking Blue, The Queen’s Gambit (Netflix)
10. « Boys Wanna Be Her, » Peaches, The Boys (Amazon)

Cet article Quand la synchro fait renaître le succès d’une chanson… est apparu en premier sur L'Écume des Sons.

Pour cette première interview de l’année 2019, nous sommes allés à la rencontre de Sébastien Vabre, à la tête du pôle synchro chez Believe Publishing .

# L’EDS – Bonjour Sébastien. Merci d’être là aujourd’hui.

Peux-tu te présenter en quelques phrases pour nos lecteurs s’il te plait ?
Car lorsque l’on regarde ton LinkedIn, on voit que tu as aussi bien bossé en label/éditeur qu’en agence (au service musique et marques).

Sébastien- Bonjour !

En effet j’ai commencé ma carrière professionnelle en 2009 chez l’Editeur Blonde Music, à la Synchro et au Publishing. À l’époque j’ai débuté par un stage, qui a ensuite débouché sur un CDD.
Après avoir passé 2 ans là-bas, je suis allé chez Discograph, toujours au même poste. Et, suite à cela, ils ont été rachetés par Harmonia MUNDI.
J’ai alors fait un petit passage à la SACEM de 6 mois. Et, je suis retourné travaillé à Harmonia Mundi pendant 2 ans.
Puis je suis allé côté agence, chez Young & Rubicam Paris en tant que music project manager.

L’idée était de voir un peu tous les aspects de mon métier : aussi bien du côté éditeur, éditeur côté SACEM, que responsable Synchro et enfin la Synchro côté agence.

# L’EDS – Peux-tu nous expliquer ton métier au sein des ces différentes structures ?

Sébastien- Alors côté label, tu réponds à des briefs, tu essaies de maximiser le catalogue qui est à ta disposition afin de le placer et le valoriser le plus possible.

Tandis qu’en agence il y a un aspect publicitaire qui rentre en compte. Ainsi, il faut avoir un axe plus stratégique, trouver des musiques qui répondent à des demandes marketing ou aux demandes des clients et des créatifs.

C’est bien différent du fonctionnement des labels et de la musique en général.

# L’EDS – Et alors, quand tu es du côté label et que tu as une sortie d’artiste est-ce que tu as des consignes comme quoi il faut placer en priorité les titres de ce nouvel EP/album ?

Sébastien- (Rires)
Alors, oui… oui et non.
Car la synchro est un univers extrêmement aléatoire.
C’est très compliqué de se dire « cet album il va sortir et je sais que je vais faire trois synchros là-dessus » ou alors d’imposer ses titres.

Après il y a ce mot que je n’aime pas beaucoup, « synch friendly » et à quoi on pourrait apparenter à de la pop un peu édulcorée, avec une évolution dans le morceau qui plait toujours aux clients pour les reveals, etc.

Mais à mon sens, tous les titres peuvent-être potentiellement synchronisables.

L’exemple type, c’est la synchro de musique Gipsy composée pour Préparation H, un médicament contre les hémorroïdes. Ou encore la pub panzani avec les gipsy kings. Récemment on a aussi vu une synchro metal sur une pub Citroën.

Par contre, il est vrai que sur certains albums, tu sens quand il y a plus de potentiel synchro que d’autres.

Quand j’ai écouté l’album de The Blaze par exemple, même si je ne pouvais pas le garantir à mes boss, j’avais tout de même le pressentiment que, sur pratiquement tous les titres, je pourrais faire une synchro.

# L’EDS – Quand on bosse en tant que Music Project Manager en agence, quelles sont les principales qualités à avoir ? Et en label ?

Sébastien- Alors quand on bosse côté label, faut bien connaitre son back catalogue.
Et côté agence, il faut bien connaitre les us et coutumes de la pub ainsi que le fonctionnement des agences.

Également, et non des moindres, savoir se mettre à la place du côté des clients qui, bien souvent, ne s’y connaissent pas très bien en musique. Il faut donc essayer de leur expliquer avec des mots simples et qui leur parlent, les choix de musiques, etc.

En effet lors de mon expérience en Agence, j’ai remarqué que cela pouvait être bien compliqué lorsque l’on n’a pas le même vocabulaire. J’ai d’ailleurs été confronté à des choses assez improbables.

# L’EDS – Par exemple ?

Sébastien- Par exemple, une fois j’ai fait écouté du Phoenix à des clients. Et là, ils m’ont répondu « on trouve ça trop techno« .

Aussi, tu peux faire écouter une instru avec des pianos, et ils pensent que c’est des trompettes…

Pour en revenir aux qualités en Agence, comme on travaille toujours à flux tendu étant donné que le sujet musique arrive souvent tard ou en fin de production et que tu travailles toujours dans l’urgence (autrement dit dans le stress et avec les dead lines), il faut savoir être patient et gérer le stress.

Pour finir, l’une des qualités fondamentales du métier c’est d’avoir une bonne culture musicale.

# L’EDS – À regarder le catalogue de Believe de plus près, avec M83, The Blaze, Darius, etc., on se dit qu’il y a certains catalogues moins difficile à placer, comme tu le disais si justement un peu plus tôt.

Quel est le ou les artiste(s) le(s) plus « synchronisable(s) » chez vous ?

Sébastien- Et bien tu viens de les citer.
Alors nous, on a trois grands catalogues. Trois labels on va dire.

On a Naïve, que nous avons racheté il y a deux ans avec son catalogue historique; aussi bien en pop qu’en jazz ou qu’en classique.
Nous avons les artistes All Points. Dans lesquels on retrouve Camp Claude, Anna Leone, Björk, etc.
Puis enfin ceux d’Animal 63, le label qu’on a créé avec Savoir Faire et dans lequel il y a The Blaze, Johan Papaconstantino (qui vient de sortir son nouvel EP), Darius, Myth Syzer etc.

D’ailleurs, pour en revenir avec The Blaze, et notamment du fait que leur musique soit en adéquation avec les clips et les visuels qu’ils sortent, il arrive bien souvent que la musique référence des créatifs des agences soit la leur.

# L’EDS – Alors, justement, lorsque tu as un brief tu vas forcément caser un The Blaze ou un M83, même si cela n’est pas la demande initiale.

Sébastien- Ah bah non.
Comme j’ai bossé en agence, je ne vais pas faire perdre le temps des gens en agence en leur envoyant des titres qui n’ont pas de rapport avec la demande initiale. Par contre, l’idée est de vraiment bien comprendre le brief et de proposer des titres cohérents.

# L’EDS – Certains labels organisent des séminaires pour artistes, où l’idée est de leur apprendre à composer de la musique à l’image.
De votre côté, faîtes vous ce genre d’atelier ?

Sébastien- Pour l’instant non, car nous n’avons pas à ce jour un catalogue en édition assez conséquent pour faire ce genre de chose.
Mais pourquoi pas à l’avenir si on commence à étoffer le catalogue.
C’est un super truc à faire.

# L’EDS – Quelle est la chose la plus folle que tu aies vu dans ton métier ?

Sébastien- Alors j’en ai une qui me vient en tête là tout de suite.
Je ne pourrai malheureusement pas citer le nom de l’artiste.

Mais en gros, j’étais en stage.
Et j’ai du aller lui faire signer en urgence un contrat de synchro afin que le deal se fasse, alors qu’elle était à la maternité et qu’elle allait accoucher.

# L’EDS – Vois-tu une évolution positive (ou négative) dans le secteur de la musique à l’image ?
Et si oui, laquelle ?

Sébastien- La pub est un peu le reflet de la musique, de ce qui marche.
Souvent les annonceurs veulent des titres connus et qui font vendre leurs produits.

Je vois que la musique électronique prend une place plus importante.

Puis y a aussi le retour de la chanson française dans la pub, ce qui peut-être une super chose pour tous les newcomers qui chantent en français.
Le bon exemple est la pub Intermarché.

# L’EDS – Et alors, la chantons française. Tu penses que c’est seulement en France ou tu penses que ça peut s’internationaliser ?

Sébastien- Les quelques titres que j’ai en chansons françaises, sont utilisés à l’étranger – par exemple sur des séries Netflix.

J’ai vraiment l’impression que la chantons française rayonne pas mal dans le monde. Notamment aux States.

Au sujet de la musique urbaine aussi il y a une évolution.
Par exemple, on voit aux States qu’elle est de plus en plus utilisée.
En France aussi d’ailleurs. On peut voir de plus en plus de musiques trap être utilisées en pub.
Je pense que cette dernière à toute sa place.

# L’EDS – Sur quels produits tu verrais de la musique trap toi ?

Sébastien- Toutes les marques, tous les produits où il est possible de prendre des risques.
Bien sûr tout dépend des images, du film proposés.
Le luxe, les voitures, etc.

Au contraire, tout ce qui est food, etc. c’est plus compliqué de prendre des risques.

# L’EDS – Quel est le projet dont tu sois le plus fier ?

Sébastien- Question compliquée…
Alors oui, je sais !
C’est assez récent. C’est chez Believe.

C’est pas un énorme truc. Mais c’est surtout le fait que j’ai réussi à placer un titre pas encore sorti, d’une artiste peu connue.
Lorsque j’ai vu le film publicitaire, j’ai tout de suite vu que le titre allait fonctionner
Je remercie d’ailleurs l’agence (TBWA) et les clients de m’avoir fait confiance sur ce coup.
Il s’agit d’une pub McDonald avec un titre d’Anna Leone.

On peut dire qu’on aide aussi les artistes en développement.

# L’EDS – Enfin pour terminer, si tu devais choisir 5 titres. Genre, ceux que tu pourrais écouter jusqu’à la fin de ta vie en boucle, quels seraient-ils ?

Sébastien-
Aphex Twin – Windowlicker

 
Dr Dre – XXplosive

 
Change – Heaven of my life

 
PNL – Onizuka

 
Pino D’angio – Me quale Idea

# L’EDS – Merci Sébastien ! Et à très vite !

Cet article RENCONTRE AVEC SÉBASTIEN VABRE, Head of Synch – Publishing (Believe) est apparu en premier sur L'Écume des Sons.

Avant d’être nommé Directeur Général d’HRCLS, ce dernier a été pendant de très longues années Music Supervisor en agence, et a notamment travaillé sur la marque Citroën.

# L’EDS – Bonjour Lionel, est-ce que tu peux te présenter en quelques mots ? Nous parler de ton parcours et de ce que tu fais aujourd’hui chez HRCLS.

LIONEL – Bonjour Émilie.

J’ai commencé à travailler dans la prod film chez Bandits en tant qu’Assistant Producteur en 2004. C’est comme cela que j’ai connu le monde de la publicité.

Ensuite, je suis rentré chez Euro RSCG Worldwide en tant que négociateur de droits. Puis, très rapidement, j’ai switché sur de la supervision musicale quand l’agence H s’est créée et qu’elle a intégré la cellule dans laquelle je travaillais au sein d’Euro RSGC, sur le compte Citroën International. Idem, quand l’agence s’est transformée en l’agence Les Gaulois.

Enfin, la création d’HRCLS m’a fait prendre un petit virage, où là je suis plus sur de la gestion de boite… Même si je garde toujours un œil sur la musique, sur ce qu’on produit, etc.

# L’EDS – Avant de te retrouver Directeur Général chez HRCLS, tu étais Music Supervisor chez Les Gaulois et l’agence H et tu as donc travaillé sur la marque Citroën.

Parlons de l’évolution de la stratégie musicale de la marque, tout au long de ces années.

Dans le secteur auto, qui est hyper concurrentiel, comment donne-t-on du sens à la marque à travers la musique ? Car in fine, beaucoup de constructeurs surfent sur la tendance musicale du moment.

LIONEL – Pour moi, pour vraiment faire émerger sa marque dans le secteur auto, cela va passer avant tout par la signature sonore. Avant la musique. C’est comme cela que les gens vont pouvoir distinguer les annonceurs.

Et pour Citroën, je sais qu’entre 2009 et 2014 par exemple, les gens s’attendaient à découvrir un nouvel artiste électro français sur un spot Citroën. C’était vraiment quelque chose de très attendu et de relayé sur les réseaux. Je pense que c’était une stratégie gagnante pour faire émerger la marque et lui donner du sens.

# L’EDS – D’ailleurs en 2009, Citroën a lancé sa nouvelle plateforme de marque et sa nouvelle signature « Créative Technologie ».

Est-ce que tu peux nous en dire plus sur cette signature ? Et comment avez-vous défini l’ADN musical de la marque par rapport à cette dernière ?

LIONEL – On voulait quelque chose de très « sound design » pour cette signature. On s’est entouré de pas mal de spécialistes, dont pompon finkelstein, qui avait signé le générique de Tracks sur Arte.

L’idée était d’avoir une signature très marquante mais pas vraiment musicale.

# L’EDS – Et qui a bossé sur la nouvelle signature ?

LIONEL – C’est une production HRCLS / Start-Rec.

# L’EDS – Au niveau des synchros réalisées, on constate que, au début des années 2000, la marque avait tendance à utiliser des titres plutôt mainstream :

C4 Picasso – The Dandy Warhols Bohemian Like You (2008)

 
C3 – The Hives Tick Tick Boom (2008)

 
Puis, dès 2011, la marque prend un tournant plus électro, avec des collaborations du type :
DS4 – Cassius I Love U So (2011)

 
DS4 Just Mat – Gesaffelstein Viol (2012)

Pourquoi avoir pris ce tournant ? Pour suivre la tendance du moment ?

LIONEL – Non, il y a toujours eu un attachement à la musique électronique de la part de Citroën.

Je ne sais pas si tu t’en souviens, mais l’une des pubs les plus marquantes de la marque était celle d’un robot qui dansait sur un parking. Dans les années 2003-2004.

Il y avait des rythmes très digitaux, très électroniques de «Jacques Your Body » des Rythmes Digitales.

D’ailleurs, toute une saga publicitaire a suivi, avec la déclinaison du robot dans tout un tas de circonstances (le robot qui patine, le robot qui court, etc.) et cette dernière s’est terminée sur un remix de « Staying Alive », avec le robot qui dansait dans les rues de New-York.

Après, c’est sûr qu’on a utilisé pas mal de titres mainstream aussi. Mais il faut savoir que cet annonceur a toujours été très marqué par la musique et avait l’habitude d’utiliser des titres forts dans ses pubs. Je pense par exemple à Julien Clerc, ou The Clash dans l’histoire publicitaire plus lointaine de la marque.

Par contre, il est vrai que dans les années 2000, la marque a voulu clamer son côté « french touch » et a donc utilisé des titres plus électro. Tu citais Cassius et Gesaffelstein tout à l’heure, mais je pense aussi à Bonobo (sur un film qui s’appelait « L’ampoule »), ou encore à SebastiAn.

L’idée c’était de venir appuyer la nouvelle la nouvelle signature de la marque : « Créative Technologie » avec de la musique électro d’artistes français en devenir, lorsque les images et le message s’y prêtaient bien. Mais aussi de venir coller au plus près au positionnement de la marque : une marque française innovante, axée sur la technologie et la créativité.

# L’EDS – Du coup, cette idée de collaborer avec des artistes en devenir, on peut dire que ce sont les prémices de ce qu’il se passe aujourd’hui ?

Car depuis quelques années, on voit bien que Citroën collabore de plus en plus avec de jeunes groupes en développement.

LIONEL – Alors en fait cette collaboration dont tu parles correspond plus à l’arrivée du nouveau Directeur Marketing Monde, chez Citroën. Ce dernier est très sensible au sujet de la musique et avait une idée très précise de ce qu’il voulait mettre en place pour la marque.

La stratégie a donc était de se dire : « Citroën, c’est une marque française créative et à la pointe, mettons en avant des groupes français en développement sur l’ensemble de nos campagnes, en poussant la collaboration en 360 ».

Du coup, ils tirent le fil encore plus loin. Ils vont pousser le truc en plaçant une Citroën dans le clip du groupe qui va être synchronisé sur une de leur pub; les faire jouer en live au salon auto, etc. Les interactions entre le groupe, le produit et la marque sont alors démultipliées. Pour moi, c’est une très bonne stratégie.

Alors oui, on peut dire qu’en quelque sorte l’idée de collaborer avec de jeunes groupes en développement a vu le jour dans les années 2000. Mais là, c’est tout de même un peu différent.

# L’EDS – En 2012, l’agence H et l’agence The Hours (agence spécialisée en « advertainment » et en marketing musical) créent un partenariat.

L’idée, dépasser la simple synchronisation musicale et placer au cœur de la stratégie de marque une réflexion sur le marketing musical (au travers d’op évènementielles, RP, et d’endorsement).

Peux-tu nous parler de cette collaboration ? Et, par rapport à Citroën, quels ont été les fruits de ce rapprochement ?

LIONEL – Alors pour la petite histoire, The Hours est une société qui a été rachetée par le groupe Havas. Pendant 3 ans, cette agence a vécu de manière assez indépendante avant le partenariat mis en place avec l’agence H.

L’idée était d’apporter une stratégie musicale 360 aux annonceurs. On a ainsi pu bosser avec Microsoft, Acadomia, etc.

Pour Citroën, malheureusement, cela n’a pas donné grand chose.
Il faut savoir que tout était beaucoup plus cloisonné qu’aujourd’hui : entre les gens qui s’occupent des évènements, ceux en charge de la pub, etc.

# L’EDS – Aujourd’hui Citroën travaille avec Start-Rec (agence de conseil et de création sonore) mais encore avec vous sur certains projets. Tu peux m’expliquer ?

LIONEL – Alors aujourd’hui on continue de travailler avec Citroën, mais seulement sur les opés déjà en cours. On va simplement les terminer.

# L’EDS – On en parlait tout à l’heure, mais on constate que, depuis, la marque a pris le parti de se rapprocher de jeunes groupes pas encore connu du grand public. Tu peux nous en dire plus sur cette stratégie ?

LIONEL – C’est une super stratégie. On a l’habitude de voir des choses très connues, très mainstream sur les écrans pubs et c’est vrai que là, Citroën permet de faire émerger de jeunes talents.

En plus ça profite à tout le monde : à la marque, au groupe, etc.

Je suis plutôt d’avis à encourager les annonceurs à réaliser ce genre de stratégie. Et surtout lorsque cela ne s’arrête pas juste à une synchro musicale. Il faut développer la collaboration en 360.

# L’EDS – Merci Lionel d’avoir pris le temps de répondre à nos questions !
À très vite !
 

LIRE L’ARTICLE « LA SAGA MUSICALE DE CITROËN – CHAPITRE I »

 
 

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]]> Sur l’Écume des Sons, on aime à vous rappeler ô combien il est important pour une marque d’avoir une identité sonore globale bien construite : de ses partenariats avec certains artistes, à sa signature sonore, en passant bien évidemment par la musique de pub.

Toutefois, ces différents médias ne requièrent pas la même approche. Explications.
Prenons, par exemple, le cobranding. Il sera (plus ou moins) facile d’identifier le public de l’artiste avec lequel on veut s’associer et, par extension, savoir s’il va pouvoir parler à notre cible, la toucher, servir notre image de marque, etc.

Mais est-ce aussi évident et simple lorsqu’il s’agit de choisir la musique d’un spot tv ?

(Suspense…)

Vous vous doutez bien que non… Si on se pose la question et que l’on prend le temps d’écrire un article là-dessus, c’est que ce n’est pas encore tout à fait le cas !
 

MA PRÉFÈRENCE À MOI

« Mais elle est, ma préféreeeeeenceeeee à moi »…
Comme le chantait l’artiste préféré de nos grand-mères, lorsqu’il s’agit de définir quelle sera LA musique de pub utilisée sur le spot TV d’un annonceur, chacun y va du sien : les « j’aime », « j’aime pas », « je préfère celle-ci /celle-là », etc. vont bon train. De l’annonceur, en passant par l’agence de publicité, au réalisateur, à la boite de prod voire même à la maison de disque ou l’éditeur, il n’est pas rare que chacun ait sa petite idée/préférence sur la musique à synchroniser.

C’est un fait ! La musique parle à tout le monde ; et tout le monde (ou presque) a son mot à dire lorsqu’il s’agit de musique.

Car oui, elle a cela d’envoutant, la musique. Bien plus qu’une simple appréhension/perception des sons, du rythme, de la mélodie, etc. la musique offre une expérience personnelle à tout un chacun. Kant disait d’elle qu’elle est le « langage des affects », « le langage universel de nos émotions ». Autrement dit, grâce à son pouvoir évocateur, la musique parvient à agir sur notre état d’esprit/cerveau et à influencer nos émotions.
Toutefois chaque individu, malgré des similitudes incontestables, a une physiologie et une perception musicale qui lui est propre et qui se construit au fur-et-à-mesure du temps (et va participer en cela à la construction de ses goûts musicaux). Ainsi une musique que moi, individu à part entière, je vais pouvoir écouter en boucle au moins 5 fois d’affilée, va peut-être (sûrement même) taper sur le système d’un autre.

Voilà pourquoi il est si difficile de choisir LA « bonne » musique ; pourquoi il est si compliqué, pour les différents acteurs décisionnaires, de se mettre d’accord sur l’œuvre musicale qui viendra illustrer le film publicitaire. Voilà aussi pourquoi, souvent même, la musique de pub utilisée n’a pas fait l’objet d’une véritable stratégie/réflexion mais est plus là pour complaire à Celui-Dont-On-Ne-Doit-Pas-Prononcer-Le-Nom.

Fort de ce constat, il n’est pas rare de voir défiler sur son petit écran, des publicités dénudées de sens (désolée chef) où la musique fait plus office de Muzak (NDLR la Musak désigne la musique d’ambiance) que de véritable outil stratégique aidant à mieux cibler, mieux communiquer (communication non-verbale) et participant à une meilleure mémorisation du spot et de l’annonceur. Il n’est pas rare également que la musique choisie soit en décalage avec l’ADN de marque ou encore avec son identité sonore globale…

« Il y a aujourd’hui très peu de personnes au niveau de la marque qui soit le gardien de cette cohérence »

Dans notre interview du mois d’Avril, Olivier Covo (ancien directeur marketing d’Apple France et aujourd’hui Directeur associé de Brandy Sound) soulevait ce problème de cohérence. Principalement lié aux nombres d’intervenants et de décisionnaires, il est difficile de sortir du « j’aime », « j’aime pas », comme nous le soulignions précédemment.

Ce qui est complexe aussi, avec la musique, c’est qu’elle s’évanouit. Un logo, par exemple, ou des rushes vidéos seront plus faciles à considérer car les yeux peuvent s’y accrocher, aller-venir, revenir… La musique, elle, est évanescente ; ce qui la rend d’autant plus difficile à juger étant donné qu’il ne s’agit alors, pour la plupart des gens, qu’une question d’émotion, de perception et d’individualité.

Très justement, Oliver Covo nous disait que la solution à ça était de « développer des outils d’évaluation de l’impact de la musique sur des critères avérés et prouvés scientifiquement, avec des méthodes évitant tous biais ou toute interprétation erronée ». Et à nous d’ajouter, qu’il faut également que les acteurs de ce marché d’avenir prennent pleinement conscience de l’enjeux qui y réside.
 

LA CHANGEMENT, C’EST MAINTENANT !

Quand on sait que la musique est le véhicule le mieux adapté pour donner du sens, porter le produit et les valeurs de la marque, pourquoi donc ne lui laisserions-nous pas la place qu’elle mérite ? Pourquoi, Mesdames et Messieurs les annonceurs, pourquoi donc se contenter d’une musique de pub approximative choisie en bout de chaîne, dans la précipitation, alors que cette dernière devrait-être, non pas l’accessoire, mais la colonne vertébrale du spot TV ? Pourquoi négliger le seul instrument capable de communiquer sans parler ? De projeter, sans montrer ; de segmenter tout en rassemblant; de se remémorer ou de s’oublier… Pourquoi ?

 

 

QUAND LA MUSIQUE DE PUB EST BONNE

Très récemment est sortie la dernière publicité de Lacoste : un voyage dans le temps, une ode à l’intemporalité et au sublime. Magnifié par le titre « November » de Max Richter (notamment re/connu pour ses compositions pour des musiques de films), le simple spot publicitaire devient un véritable bijou cinématographique et la musique se transforme en élément marquant et nécessaire à la cohésion du tout.
Un véritable travail d’orfèvre on vous dit ! Tout semble parfaitement millimétré, orchestré pour nous transporter, nous imprégner.

 

Il y a fort à parier que le choix de cette musique de pub ne se soit pas porté sur une décision (plus ou moins) hasardeuse. On peut même présumer que la musique ait été le pilier quasi central à la réalisation du film publicitaire, afin de lui procurer cette intensité qui s’en dégage.

 
 
 

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]]> « Entrevues » est le rendez-vous des acteurs qui combinent marques et musique. Pour notre interview du mois de juillet, nous sommes allés à la rencontre de Simon Henner.

Ce nom ne vous dit peut-être rien, mais vous avez forcément déjà entendu parler de lui derrière l’un de ses nombreux projets : Nasser, Husbands, French 79 (son projet solo), et très récemment La Rivièra, qui réunit le gratin marseillais (Kid Francescoli et Yohan de Date With Elvis).

Cet auteur-compositeur-producteur-interprète, régulièrement sollicité pour de la composition pour des musiques de pubs, a accepté de nous donner sa vision sur la relation entre la musique et les marques.

 

# L’EDS – Bonjour Simon ! Merci d’avoir accepté de répondre à nos questions.
Apparemment, tu as été professeur de musique à l’Éducation Nationale. Est-ce que tu peux nous en dire un peu plus sur ton parcours ? Comment passe-t-on de la flûte à bec aux machines et claviers électroniques ?

Simon – j’ai étudié la musique au conservatoire, j’ai donc toujours joué de la musique et fait des concerts; ça a toujours fait partie de ma vie.
Être prof de musique m’a toujours plu. J’ai enseigné quelques années, mais j’ai vite beaucoup tourné avec NASSER et ça a commencé à être un peu compliqué de tout gérer, j’avais l’impression d’avoir une double vie. Après 2 ou 3 ans à mi-temps, j’ai dû arrêter pour me consacrer à 100% à ma « carrière d’artiste » et de producteur. Et depuis un peu plus de deux ans, je suis en solo sous le nom de French 79. Et, dès le premier single, l’aspect visuel a été important: le clip de Between the Buttons est une installation filmée des Cauboyz pour la Montreux Jazz Academy.
J’ai d’ailleurs joué au festival il y a dix jours, juste avant Brian Wilson des Beach Boys, c’est le genre de consécration assez jouissive. Et tout récemment les Cauboyz ont réalisé le clip d’Olympic qui est assez incroyable: un hommage à Star Wars, à 2001 l’Odyssée de l’Espace… et au DIY.

 

# L’EDS – Tu as aujourd’hui un « CV » assez impressionnant !

Simon – Disons assez multi-tâches. Mais c’est ce qui me plaît dans la musique : alterner les tournées, la composition, la production pour d’autres artistes, faire des remixes, travailler pour l’audiovisuel, ré-arranger certains de mes titres pour certains films…

 

# L’EDS – Oui ! D’ailleurs tu collabores beaucoup avec d’autres artistes, tel que Kid Francescoli, Martin Mey, etc.
Tu peux nous en dire un peu plus sur ces collaborations ?

Simon – Ce sont des artistes qui sont avant tout des amis. Je fais surtout un travail de réalisation avec eux. C’est-à-dire que je les aide sur certains points à différents moments de leur processus de création et de production.

Pour certains, c’est un travail technique en studio au moment des prises, pour d’autres ce sont des arrangements de cordes à la fin de la composition; parfois je me retrouve à faire des over-dubs de batterie à la toute fin… Certains arrivent avec des titres très aboutis, et d’autres avec juste une ligne de chant. C’est un travail que j’aime beaucoup mais qui demande beaucoup de temps.

 

# L’EDS – Toi qui as aussi l’habitude de travailler sur de la composition de musique à l’image, quelles sont les difficultés face auxquelles tu te retrouves confronté le plus souvent ? Et quelles sont les demandes les plus saugrenues que l’on t’ait faîtes ?

Simon – Le plus compliqué dans le milieu de la pub est de faire face à beaucoup d’intermédiaires et plusieurs niveaux de décisions à chaque étape : entre le client, l’agence, la boîte de prod, le réalisateur, l’éditeur/label et l’artiste, le message est souvent brouillé.

« La difficulté est d’être sûr qu’on parle la même langue »

Plus il y a d’avis demandés, moins on a de chance de remporter le brief. C’est pourquoi, une forte direction artistique est primordiale. Quand les choses sont claires (avec les bonnes références, un moodboard détaillé, qu’on peut visionner le film, avoir les time-codes, une note d’intention bien rédigée, les informations nécessaires sur le budget et le client…), c’est beaucoup plus facile mais c’est assez rare et les délais sont très courts, donc il y a une part de loterie et de frustration assez importante.

Au-delà des impératifs « techniques », la difficulté est d’être sûr qu’on parle la même langue : «fleuri», «comédie musicale», «french touch» ou «entraînant» ne veut pas dire la même chose pour tout le monde.

Mais plus j’avance, plus le milieu me connaît et quand je suis contacté, c’est généralement parce qu’on apprécie mon travail et qu’on me fait déjà confiance ; les demandes sont donc plus ciblées.

 

# L’EDS – En effet, la musique est quelques chose de, finalement, assez subjectif et il n’est pas rare, on imagine, que tes interlocuteurs n’aient pas de «culture musicale». Cela complique-t-il les échanges ?

Simon – Oui, surtout lorsque les décideurs ont quelque chose de très précis en tête mais qu’ils n’arrivent pas du tout à le formuler. Ou à l’inverse qu’ils ne savent pas ce qu’ils veulent mais ne sont pas réceptifs à essayer des choses nouvelles. C’est là que mon éditeur (et aussi label) intervient pour faire l’intermédiaire, filtrer, demander les bonnes informations, reformuler, recadrer… Je lui parle tous les jours. Lui parle au monde de l’audiovisuel tous les jours également. Ca permet de traduire et d’avancer plus facilement.

 

# L’EDS – De plus, la musique est malheureusement et très souvent la dernière roue du carrosse dans le processus créatif. Tu peux nous donner ton point de vue là-dessus ?

Simon – Bien souvent, les montages se font sans la musique (ou sur une musique test qui n’aura rien à voir avec celle utilisée in fine): là, c’est compliqué car on me demande de coller aux images qui ne sont pas calées avec ma musique.

« Le monde de l’audiovisuel oublie ou délaisse souvent la partie « audio » du métier »

Le travail d’editing est alors fastidieux et il manque souvent un peu de magie. On sent que c’est moins naturel. Quand les choses sont faites dans le bon ordre, c’est beaucoup plus facile et surtout le résultat est tellement mieux. L’idéal est de tourner les images en amont, puis fournir les rushs de la video aux musiciens pour composer ou éditer, puis faire le montage en dernier. Le monde de l’audiovisuel oublie ou délaisse souvent la partie « audio » du métier et c’est dommage pour les films.

 

# L’EDS – Si demain tu avais le pouvoir de changer UNE seule chose là-dessus, quelle serait-elle ?

Simon – Exactement ça : faire les choses dans l’ordre : TOURNAGE – COMPOSITION – MONTAGE – FINITIONS.

 

# L’EDS – En juin dernier s’est tenu le MIDEM où Pedro Winter y a dit que la synchro, c’était « the cherry on the cake ». Est-ce que tu es d’accord avec cette formulation ?

Simon – Il faut bien faire la différence entre une synchro où on utilise une musique qui existe déjà (lorsqu’une agence de pub ou une marque achète un morceau pré-existant d’un artiste et l’inverse) et lorsqu’on fait appel à un musicien qui doit composer une musique spécialement pour une pub ou un film.

Ce que dit Pedro Winter est surtout vrai dans le premier cas, où l’on est souvent bien rémunéré pour un titre déjà composé et enregistré; à la différence du second, souvent moins bien payé, plus aléatoire et qui nécessite beaucoup de travail.
Sauf si l’idée du client est vraiment de collaborer avec un artiste et de revendiquer ce travail en commun et non de mettre plusieurs compositeurs/producteurs en compétition pour faire une démarque d’un titre connu et au final avoir un titre de library lambda.

 

# L’EDS – Tu as très récemment collaboré pour le projet « 24 words for Paris 2024 » qui, en moins de 24h, a été vue 600.000 fois. As-tu eu des retours déjà ? Et sur un projet tel que celui-ci, quelles sont les retombées ?

Simon – Cette video a effectivement beaucoup de succès, et j’ai reçu énormément de compliments sur la musique. C’est marrant car mon album s’appelle Olympic. Avec les Cokau qui sont à l’origine du projet, nous avions déjà travaillé ensemble sur un projet similaire, « 3 Mots pour Paris » (avec le titre Between The Buttons), qui avait eu un rayonnement international et beaucoup de selections en festivals.
Donc je ne suis pas complètement surpris de l’accueil très positif, mais ça fait toujours plaisir… D’autant plus que ce titre (Diamond Veins) plaît déjà beaucoup en dehors des utilisations en synchro. Les retombées concrètes ne sont pas effectives immédiatement, cela se ressent plutôt dans les mois qui suivent. On verra bien, ça fait presque un an et demi qu’on a lancé la dynamique sur mon album et c’est vraiment maintenant que je vois que les bases sont solides : les fans, les media, les programmateurs, les agences… J’ai beaucoup tourné depuis 9 mois et je viens de faire trois festivals ce week-end dont les Vieilles Charrues et Dour : je vois la différence dans le public, même si dès le début les gens étaient déjà ravis. Là, les gens adhérent à 200% et comprennent ce que je veux faire avec ma musique. On me dit que l’album et le live font « voyager ». C’est la plus belle chose qu’on puisse dire de mon travail.

 

# L’EDS – Merci Simon d’avoir répondu à nos questions…
Mais, avant de te laisser partir, peux-tu nous dire quel est LE titre que tu aurais aimé composer ?

Simon – Je dirais La Ritournelle de Sébastien Tellier.

 
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© Photo couverture : CAUBOYZ
 
 
 

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]]> « Sync… It’s the cherry on the cake ! » a déclaré Pedro Winter (CEO, Ed Banger Records) à l’occasion d’une conférence organisée par le Midem, lors de son édition 2017.

Comme chaque année, le rassemblement le plus important au monde des acteurs de l’industrie de la musique s’est déroulé à Cannes. Au programme, concerts, signatures, contrats mais également conférences.

Ainsi, on vous propose de découvrir une conférence fort intéressante, avec pour thème ‘How Sync & Brand Partnerships Helped French Export‘.

INTERVENANTS :
– Pedro Winter, CEO, Ed Banger Records / Headbangers Publishing (France)
– Thibault Kuhlmann, Managing Director, Universal Music & Brands (France)
– Charlotte von Kotze, Director of Music, Virtue – Vice Media (USA)
– Erick Viollet, VP Sync Shop, Sony Music Entertainment (France)

 
 

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