Pour cette nouvelle interview, nous sommes allés à la rencontre de Élise Luguern, pionnière de la musique à l’image dans le cinéma.

C’est elle qui se cache derrière les bandes sons de « Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu ? », « La vie d’Adèle », « La jalousie », « Les vacances de Ducobu » ou encore « Les infidèles », pour ne citer que quelques-uns des nombreux longs-métrages sur lesquels elle a bossé.

# L’EDS – Hello Élise ! Merci de nous recevoir et de répondre à nos questions. On est super contents de t’avoir aujourd’hui !

Pour ceux et celles qui ne te connaîtraient pas, peux-tu te présenter en quelques mots sur ton parcours, ton expérience ?

Élise – Hello !

Alors, dans les grandes lignes, j’ai commencé comme violoniste. Ensuite, j’ai vécu aux États-Unis, où j’ai monté des festivals de courts-métrages français. Puis je suis entrée chez EMI Classic, en tant qu’attachée de presse avant d’arriver chez Luc Besson, au département musique (où je suis restée 5 ans). 

Pour finir, j’ai monté ma structure de supervision musicale, accompagnée de Lucile Egal, avec qui je travaille depuis un bon nombre d’années maintenant. On s’occupe de toute la musique d’un film, d’un point de vue artistique et de production.

# L’EDS – Du coup, le métier de Music Superviser dans le cinéma, la télé, etc. c’est de gérer de A à Z la musique, et ça de tous les points de vue ?

Élise – Exactement ! 

En France, c’est différent des États-Unis, où tout est plus compartimenté : il y a celui qui va chercher les synchros, celui qui va clearer les synchros, celui qui va faire la production exécutive …. 

Ici, un superviseur musical doit gérer tous ces aspects. On est au carrefour de l’économie, de l’artistique et du juridique.

# L’EDS – Et du coup quels en sont les enjeux ?

Élise – Ma manière d’aborder ce métier est très liée à l’impératif que je me fixe de ne pas dépasser le budget, financièrement parlant. Car autant on n’a pas d’obligation d’économie, puisqu’on est dans le coût du film, autant on ne peut pas dépasser le budget. 

Juridiquement aussi, c’est de faire en sorte que la chaîne des droits soit très claire et bordée de toute part. 

Cela implique de faire attention à ce que tous les ayant-droits aient été consultés préalablement. Pour être clean juridiquement.

Enfin artistiquement, et le cœur du métier est vraiment là. En tout cas, il est la raison pour laquelle je fais ce métier. L’enjeu est de comprendre ce que le réalisateur veut et de le mettre en forme.

# L’EDS – N’est-ce pas la partie la plus « dure » du métier ?

Élise – Je ne sais pas si c’est le plus dur… Car c’est aussi ce qui est le plus excitant ! C’est ce que je fais avec le plus de plaisir. Il faut écouter un réalisateur. Lui parler… Mais pas que de son film. De plein de choses. De sa vie, de ce qu’il aime, de ce qu’il n’aime pas… On est un peu obligé de se mettre dans sa tête et de comprendre ce qu’il veut afin de ne pas trahir son propos artistique.

# L’EDS – Et si, par exemple, un réalisateur n’a pas de sensibilité musicale, comment tu arrives à gérer cette relation ?

Élise – Alors je me fais forcément une idée de la place de la musique à la lecture d’un scénario. Mais cela va être ma vision. Peut-être sera-t-elle différente de la sienne du coup. Mais l’idée, c’est de faire des propositions. De lui dire « Voilà, moi j’entendrais ça. Toi, qu’est-ce que tu en penses ? ».

Soit ça marche, soit ça ne marche pas. Mais au moins, ça va leur permettre de rebondir et de déterminer, non pas forcément ce qu’ils veulent, mais pourquoi ils n’aiment pas ce que tu viens de leur présenter. Et toi de ton côté, par élimination, tu affines tes recherches.

Parfois, en un RDV, tu as tout de suite cerné les attentes ; pour d’autres, il faut 4 à 5 réunions.

Mais en règle générale, à chaque première recherche que j’envoie, je me sens comme une bachelière qui va chercher ses résultats. Je suis complètement flippée car je me dis que je suis peut-être à côté de la plaque. Et, plus de 250 films après, ce sentiment ne m’a pas vraiment quittée.

Mais heureusement quelque part ! Sinon j’arrêterais de faire ce métier (rires). Ça voudrait dire que je suis blasée.

# L’EDS – Comment choisit-on entre musique originale et musique préexistante ?

Élise – Si on enlève l’aspect économique (puisque la musique préexistante coûte beaucoup plus cher que la musique originale), il y a des évidences au cinéma. Par exemple, pour les séquences clippées, on va généralement mettre un titre préexistant. Il y a des codes.

Il y a aussi les musiques que l’on dit diégétiques. Par exemple, une scène de fête, une scène de bar où potentiellement on se dit qu’il faudra une synchro.

Et pour les belles synchros, les belles chansons, il faut qu’il y ait de l’espace à l’image. S’il y a beaucoup de dialogues, tu ne peux pas mettre une synchro. Ne serait-ce qu’au niveau des fréquences, cela risque de se court-circuiter.

C’est véritablement au montage, et en fonction de la façon dont le réalisateur va monter son film, qu’on va pouvoir déterminer dans quelle(s) scène(s) il y a suffisamment d’espace pour mettre de la synchro.

# L’EDS – Du coup, c’est mieux de choisir pendant le montage quelles séquences a besoin de musique ?

Élise – Oui, on fait rarement un découpage musical sur scénario. Sur scénario, on fait plutôt des relevés musiques. Autrement dit, à la lecture, on voit qu’il y a une scène dans un bar ou en boîte de nuit et là, on sait qu’il va y avoir de la musique à insérer. Ces séquences-là sont faciles à identifier et à déterminer en amont. Ce travail préalable, avant le tournage, consiste aussi à faire attention à ce que l’équipe ne tourne pas avec un Mickael Jackson sur le plateau que je ne pourrais pas retirer en post-prod.

De manière générale, créer de la musique sans les images… c’est compliqué ! Et quand je l’ai fait – sur demande de la prod ou du réal – ce qu’on avait imaginé au début n’est jamais allé au bout.

Un réalisateur pendant le tournage va constituer de la matière. Mais le moment clé de la supervision musicale, c’est évidemment le montage. C’est là que la vraie histoire s’écrit, que le rythme se donne. Si tu as imaginé un thème musical plutôt lent et que le réalisateur monte finalement super « cut », cela ne va pas marcher. Cela va au contraire tout ramollir parce que le tempo de la musique ne suivra pas le tempo de l’image…

# L’EDS – Et pour le score, comment ça se passe de manière concrète ? J’imagine qu’on n’appréhende pas la musique originale de la même manière que le reste ?

Élise – Certains réalisateurs aiment bien travailler avec leurs compositeurs.

Mais certains n’ont pas d’idée(s) précise(s). Mon rôle c’est alors de proposer tel ou tel compositeur, c’est d’être prescripteur. Une question toute bête, par exemple, consiste à leur demander ce qu’ils ont aimé comme BO ces derniers temps. Des choses qui ne seront pas forcément adaptées à leur film. Mais c’est une manière de voir à quoi ils sont sensibles.

Et puis il y a des réalisateurs vont me transmettre leur scénario et me demander ce que j’en pense. J’en discute alors avec eux et je leur dis ce que j’imagine, qui on devrait solliciter sur le projet.

Je bosse avec beaucoup de réalisateurs avec qui une vraie complicité s’est créée. On connaît nos méthodes de travail et on se fait confiance.

# L’EDS – Est-ce ton rôle de briefer le compositeur ?

Élise – Oui et non ! Je dirais que je suis la porte-parole musicale du réalisateur. Il va me parler dans son langage et pas forcément avec une terminologie musicale. Mon travail va consister à traduire ses intentions et directives auprès du compositeur.

Dans le processus de composition, je vais être là au moment des briefs. Je comprends ainsi ce que le réalisateur veut. Et quand le compositeur livre, je vérifie qu’il a lui-même bien compris ce que le réal attendait.

C’est vraiment ce pour quoi je fais ce métier. Avoir les mains dans le cambouis sur la partie artistique. 

C’est vraiment ce pour quoi je fais ce métier. Avoir les mains dans le cambouis sur la partie artistique. 

# L’EDS – Du coup, tu préfères la partie score ou synchro ?

Élise – Score, clairement. Car tu crées quelque chose. Tu travailles vraiment de la matière musicale.

Pour la synchro, ce qui est très agréable c’est quand il y a un titre qui marche vraiment bien à l’image. Mais tu as moins d’input dedans… Ce n’est pas pareil.

# L’EDS – Selon toi, c’est quoi une BO de film réussie ?

Élise – Une BO de film réussie, c’est une BO dont tu ne remarques pas la musique tant elle épouse bien le film et ne nuit pas à la narration de ce dernier… Mais dont tu sors en chantant le thème ! Ça c’est classe ! (Rires).

# L’EDS – Parmi tous les projets sur lesquels tu as bossé, quels sont ceux dont tu en es la plus fière ?

Élise – Je ne peux pas répondre à cette question. (Rires)

Je vais vexer les autres si je n’en choisis qu’un. (Rires)

Non mais, blague à part, je ne peux vraiment pas choisir. 

Tu mets tellement d’énergie quand tu travailles sur un film… Clairement, tu ne peux pas choisir parce que tu les aimes tous, sincèrement.

# L’EDS – Toi qui est l’une des pionnières de la supervision musicale en France, pourquoi avoir décidé de rejoindre Josette Music Club

Élise – Et bien nous, on fait du cinéma. Eux, ils font de la pub. Et on travaille de la même manière. On fait du sur-mesure, aussi bien nous avec nos réalisateurs de films, qu’eux avec les marques. 

Et cela faisait bien trop longtemps qu’on aimait le travail l’un de l’autre pour ne pas se dire à un moment « Allez, on saute le pas ! On fait quelque chose ensemble ».

Nous ne sommes pas en train de fusionner un même marché pour devenir plus gros.

Nous travaillons main dans la main pour faire la même chose, de la même manière, mais dans des univers un peu différents et pour s’enrichir mutuellement.

# L’EDS – L’idée c’est de valoriser la musique à l’image dans tous ses aspects ?

Élise – Ah oui, c’est sûr. On a vraiment cette exigence d’artisan. Et j’ai besoin de travailler comme ça.

# L’EDS – Si ta vie était un film, quelle en serait la bande son ? En 6 titres max.

Élise – Star Wars direct. J’aime énormément ! C’est un vrai opéra. 

Et d’avoir laissé de la place pour cette force musicale là, c’est énorme. C’est rare…

La saga n’aurait pas la puissance qu’elle a sans sa musique. C’est un monument. 

Donc oui, la BO de ma vie serait Star Wars 1. Star Wars 2. Ou 3. (Rires)

# L’EDS – Merci Élise ! C’était un vrai plaisir de t’interviewer. 

On te dit à très vite pour une autre interview.

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Il était une fois… Emily In Paris !

Emily In Paris, cette série diffusée sur Netflix depuis octobre, n’a pas encore cessé de faire parler d’elle !
Il y a quelques jours, le très célèbre Billboard américain annonçait le titre « Non, je ne regrette rien » en tête du classement du Top 10 des chansons TV aux USA.

Synchronisé dans la première saison d’Emily in Paris, le titre se classe donc n°1, avec 687 000 streams (US) et près de 4 000 téléchargements, en octobre 2020.

De plus, son succès dans les ventes numériques a permis à la chanson de revenir dans le classement mondial des ventes de chansons numériques du Billboard, apparaissant d’abord à la 16ème place du classement du 3 octobre, avant de se hisser à la 6ème place la semaine suivante.

Netflix, le nouvel eldorado pour les artistes ?

Alors qu’avant on ne parlait que de synchro Pub, les synchros dans des séries Netflix seraient-elles le nouvel eldorado pour les artistes ?

À en croire le classement Billboard, on remarque que l’artiste Kid Francescoli profite également de cette belle exposition offerte par la série créée par Darren Star (Sex and the City).

En effet, son titre « Moon » (sorti en 2017) se positionne à la quatrième place du Top 10 du magazine et connait, lui aussi, un regain de streams.

On se rappellera d’ailleurs que l’artiste marseillais avait déjà fait parler de lui, grâce au buzz mondial sur Tik Tok de ce même titre. De nombreux utilisateurs mais aussi J.Lo (oui ! Jennifer Lopez elle-même) et Dwayne Johnson (alias, The Rock) s’étaient emparés de sa musique pour illustrer leurs vidéos.

Mais, quoi qu’il en soit, en regardant de plus près le classement, on constate que sur le TOP 10 des chansons TV, 8 sont issues de séries Netflix.

Top 10 :
1. « Non, Je Ne Regrette Rien, » Edith Piaf, Emily in Paris (Netflix)
2. « I Shall Believe, » Sheryl Crow, The Haunting of Bly Manor (Netflix)
3. « Fever, » Peggy Lee, The Queen’s Gambit (Netflix)
4. « Moon, » Kid Francescoli, Emily in Paris (Netflix)
5. « Bad, » U2, The 100 (The CW)
6. « Classical Gas, » Mason Williams, The Queen’s Gambit (Netflix)
7. « Burst Into Flames, » Cavale, Emily in Paris (Netflix)
8. « I’ve Got an ‘A’ in Love, » Al Hazan, Kipo and the Age of Wonderbeasts (Netflix)
9. « Venus, » Shocking Blue, The Queen’s Gambit (Netflix)
10. « Boys Wanna Be Her, » Peaches, The Boys (Amazon)

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C’est ainsi que le titre « I Can » de Nas s’est naturellement imposé pour illustrer la campagne de positionnement déployée par la marque.

Une campagne en trois volets

Avec Serena Williams comme ambassadrice du « brand film » principal de la campagne en trois volets, le titre a d’abord été synchronisé sur les images de la joueuse de tennis américaine, dont on voit la détermination grandir pour gagner.
En effet, qui de mieux que la célèbre tenniswoman pouvait incarner le succès et la confiance en soi ?

Ensuite, Axa a choisi de mettre ensuite en scène deux héros du quotidien, un garagiste et un pratiquant de taekwondo. Le garage de l’un prend feu quand l’autre, victime d’un accident de voiture, doit se faireamputer d’une jambe. Leurs péripéties et leur reconstruction sont cette fois racontées sur une cover du morceau de Nas, très originale et beaucoup plus émotionnelle.

I know, I can… Be what I wanna be

Rien ne doit les empêcher de se relever. Axa est là pour s’en assurer. La confiance en soi et en leurs
rêves prennent le pas sur les coups du sort.

De la gravité, du sentiment de solitude et d’impuissance, la musique de la cover évolue en crescendo
avec puissance pour évoquer le « fueling self-belief », la croissance de la confiance en soi et in finé
l’accomplissement de soi. Pour véhiculer ces émotions, c’est une douceur résolue qui a guidé la
production du titre. Les codes du morceau initial ont été conservés : le piano qui réinterprète la Lettre à Elise, une voix de femme singulière, expressive à la place de celle de Nas et des choeurs d’enfants qui lui répondent.

Suite au succès de cette cover et à la demande des internautes, Josette Music Club a décidé de créer une version longue de cette cover et de la partager sur l’ensemble des plateformes de streaming.

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Nouvelle typographie, nouvelle identité graphique mais, surtout, nouvelle identité sonore. A cette occasion, nous sommes allés à la rencontre de Bertrand Delais, PDG de la chaîne, et Wax Tailor, metteur en son de cette nouvelle identité sonore.
Décryptage.

Bonjour Wax Tailor, Bertrand Delais nous a parlé du choix de faire appel à vous et qui est arrivé très tôt dans son esprit, comment s’est faite la connexion avec LCP ?

Wax Tailor: Il m’a appelé en me disant qu’il prenait de nouvelles fonctions au sein de la chaîne, et qu’il avait pensé à moi pour son habillage.

« Je fais souvent des brainstorms à partir de mots clefs, cela m’aide à trouver ce que j’ai envie d’évoquer »

De manière générale, comment travaille-t-on sur une création destinée à un média et en particulier sur une chaîne en particulier ?

Wax Tailor: Durant notre première discussion, quand Bertrand Delais m’a proposé le projet, je lui ai déjà demandé ce qu’il entendait par habillage, en termes de directions, de volumes….

J’avais une vision ou un sentiment que je souhaitais confronter. Une vision sur ce qu’était la chaîne, et j’ai réfléchi à ce que cela pouvait m’inspirer. Je fais souvent des brainstorms à partir de mots clefs, cela m’aide à trouver ce que j’ai envie d’évoquer.

Et puis il y avait une autre idée. Celle de créer une unité à travers une seule création avec des déclinaisons, des façons de mettre en rythme différentes mais toujours avec le même thème. J’ai ensuite commencé à travailler et cette création est tombée à un moment où je recommençais à travailler en studio pour moi, donc j’avais pas mal de choses en tête.

J’ai donc essayé de confronter cette création à mon état d’esprit en tentant de me baser sur ce que je ressentais.

Comment travaille-t-on à 3 entre la vision de la chaîne, votre vision et la vision de la directrice artistique (Anne Caminade) ?

Wax Tailor: Je ne saurai pas bien répondre à cette question car dans le mode de fonctionnement, je suis arrivé avec une première mouture qui a engendré des échanges.
Au final avec la directrice artistique, il s’agissait plus d’un travail en ping-pong plus qu’un travail en commun. Elle m’avait envoyé des éléments graphiques de ce qui allait être mis en place.

Sur la création, nous avons noté deux tendances fortes : la présence de cordes et une écriture « très chaîne d’information » (arpège);  et de l’autre côté une approche « swing » qui vient casser ce côté sérieux, quelle était votre volonté ?

Wax Tailor: Je voulais créer cette unité de thème mais avec des déclinaisons d’intentions comme dans certaines bandes originales de films des années 60/70 notamment. Comme celles de John Barry avec un thème principal, une version swing, une autre mélancolique, une version piano, une version orchestrale etc.
J’adore cette idée du thème qui revient et on a l’impression de le redécouvrir à chaque fois parce qu’en musique au final, on est toujours en train de tournicoter autour des mêmes notes.

Moi je pense que cela se joue dans les intentions qu’on a envie de faire passer. Par rapport à la chaîne d’info, et cela a pu être un point de désaccord artistique. J’avais sans doute une vision plus sombre que ce qui était souhaité et je l’assume encore car, aujourd’hui, dès qu’on parle de choses sombres, on a l’impression qu’on va faire fuir les gens, alors que je ne le pense pas.

Dans les termes que j’utilisais pour parler de cette création, j’ai utilisé le terme spartiate. J’ai utilisé également un élément très important pour moi qui était le métronome et qui fut mon point de départ. Je suis parti sur rythmique à 60 BPM (battements par minute) avec la volonté de la doubler pour marquer l’information qui s’accélère.
Ce qui est toujours compliqué dans la musique, c’est qu’à la fois on peut en parler mais cela reste de la musique, car je peux vous expliquer pendant une heure pourquoi j’ai fait un morceau, et de l’intention qu’il y avait derrière, au final ça reste de la musique.

C’est un peu comme expliquer un tableau et l’histoire qu’il y a derrière, si ça ne parle pas, ça ne parle pas. Pour revenir à la création pour LCP, il y avait toutes ces données-là, le rapport au temps, le rapport à la gestion de ce temps dans l’information, et puis il y avait cette idée qu’à travers les percussions il y avait le rapport à l’assemblée que je souhaitais évoquer comme une « arène » surtout lorsqu’on voit comment parfois certains peuvent s’invectiver. En tout cas, je l’ai retranscrit sans même me poser la question de savoir si c’était politiquement correct mais comme que je le percevais.

Le choix de ce logo décliné, a pour vocation d’impulser une image forte. Bertrand Delais nous disait qu’avec cette création il jouait la carte du temps.

Wax Tailor: J’espère, sachant que nous avons eu des discussions où je disais que j’étais nostalgique de certains indicatifs télévisuels qui restaient et qui traversaient plus le temps que certaines virgules, que l’on pourrait sortir facilement avec les outils de sound design que l’on a aujourd’hui.
D’ailleurs les personnes qu’on devrait remercier le plus, ce sont les développeurs car les outils actuels nous permettent très rapidement de créer des virgules avec la tonalité du moment.

Une idée d’un indicatif qui pourrait illustrer vos pensées ?

Wax Tailor: Oui d’ailleurs je me souviens avoir donné l’exemple du thème des dossiers de l’écran qui avaient presque quelque chose d’oppressants mais qui rendaient ce moment solennel et pour moi ce sont des choses qui restent.

J’ai pensé également au grand compositeur comme François De Roubaix, qui pour moi est une ultra référence, quelqu’un capable de créer dans des registres différents de chapi chapot à d’autres thèmes complétement à l’opposé.

LCP, c’est également une chaîne qui a une véritable vocation, ce n’est pas C8 et Hanouna, du coup pour moi, ce n’est pas dérangeant d’avoir de vrais partis-pris.

Le fait d’avoir fait appel à vous est un parti pris à part entière ?

Wax Tailor: Je l’espère, en tout cas, cela faisait parti de ma réflexion de penser que si cette chaîne a fait appel à moi, ce n’était pas pour que je ne sois pas dans la « tendance » mais que j’injecte quelque chose d’un peu différent.

D’ailleurs Bertrand Delais nous a dit qu’il vous percevait comme un architecte sonore…

Wax Tailor: Tout à fait, il m’a dit comment il percevait mon travail. Je l’entends parfaitement, d’ailleurs quand on me pose la question à titre personnel, je dis que je suis « metteur en sons ». Cela implique plein de choses, je suis plus quelqu’un qui pense la musique et qui la met en forme par l’intermédiaire de diverses sources internes et externes, mais surtout convaincu qu’il y a une forme d’évocation collective dans le son et que tout passe par la sonorité. Au final, dans le champs des déclinaisons, des mélodies (je ne dis pas que les mélodies ne sont pas importantes, mais cela fait 50 ans qu’on tournicote autour des mêmes choses, et qu’on n’a rien inventé depuis Sergent Pepper), la vraie question, c’est comment on les remet en forme, qu’est-ce qu’on y injecte.

LCP était une première dans la création sur mesure ?  Avez-vous d’autre projets de création pour des marques en cours ?

Wax Tailor: Sur ce format-là, oui et dans la manière également, excepté pour une création de générique pour France Inter (la Tête au Carré). Après c’est toujours une question de moment,  à savoir le temps que j’ai à y consacrer et dans la démarche, est ce que c’est quelque chose que j’ai envie de faire. Parfois aussi, je pourrais dire non par rapport à la marque et par rapport à ce qu’on attend de moi car si c’est si c’est pour essayer de singer untel ou untel qui ferait probablement mieux que moi, je n’y vois pas l’intérêt.

Merci Wax Tailor de votre participation.

LIRE L’ARTICLE « L’ habillage de LCP fait peau neuve! Entrevues croisées de Bertrand Delais et Wax Tailor – Chapitre I »

Cet article L’ habillage de LCP fait peau neuve! Entrevues croisées de Bertrand Delais et Wax Tailor – Chapitre II est apparu en premier sur L'Écume des Sons.

Nouvelle typographie, nouvelle identité graphique mais, surtout, nouvelle identité sonore. A cette occasion, nous sommes allés à la rencontre de Bertrand Delais, PDG de la chaîne, et Wax Tailor, metteur en son de cette nouvelle identité sonore.
Décryptage.

« Il n’y avait pas de signature qui permettait de le dire, de l’incarner et de le porter »

Bonjour Bertrand Delais, merci de répondre à nos questions, Quel a été le déclic pour lancer cette nouvelle identité visuelle et sonore de LCP ?

Bertrand: L’ambition était simple : la chaîne était une marque qui existait de manière assez forte. En arrivant, j’ai découvert, assez étonnamment, que la chaîne avait une moyenne d’âge qui était entre 12 et 16 ans de moins que la plupart des chaînes publiques comparables en termes éditoriaux à ce que fait LCP. C’est-à-dire, Arte, France 5.

Donc, nous sommes un média jeune en termes de moyenne d’âge pour la télévision même si ce média s’adresse plutôt un public plus âgé et les gens ne le savent pas. Il n’y avait pas de signature qui permettait de le dire, de l’incarner et de le porter ; ce fut pour moi le premier élément.
Par ailleurs, je pense que pour être audible, en étant la chaîne du parlement, notre but est de vendre, de plaider, de servir la démocratie parlementaire. Aujourd’hui, nous sommes arrivés à un point de telle crispation dans la société que nous apparaissons comme la chaîne institutionnelle du parlement.

Immédiatement nous sommes inaudibles parce qu’il y a une partie du pays qui va « fermer ses écoutilles » si j’ose dire, et donc ma seconde ambition était de ne pas changer l’ADN premier de cette chaîne et de sa mission mais d’un point de vue formel d’accompagner une évolution pour la « désinstitutionnaliser ».

Pour cela, j’ai fait appel à Anne Caminade (la directrice artistique visuelle NDLR)  qui avait fait un travail assez haut de gamme à l’époque où elle avait fait l’habillage de Paris Première) et Wax Tailor. Ce que  j’aimais bien chez cet artiste, c’est que j’ai toujours trouvé qu’il s’agissait plus d’un metteur en son qu’un compositeur à proprement parlé (sans aucune manière péjorative) mais au fond il travaille dans son processus de création en prenant des sons d’autres musiques, d’extraits de film, des bruits de ville,  et donc il fait une alchimie à partir de ces sons et je trouvais que c’était un beau symbole pour une chaîne qui se veut au cœur de la vie citoyenne où nous sommes en écho de tous les bruissements de la vie.

Et c’est d’ailleurs la feuille de route que je lui avais donné quand nous en avons parlé.

Le choix de Wax Tailor s’est fait en amont ou après cette réflexion ?

Bertrand: Non dès que je suis arrivé j’avais déjà en tête ces éléments, et j’avais à la fois le nom d’Anne Caminade pour l’habillage graphique visuel, et le nom de Wax Tailor pour l’habillage sonore. Ma seule incertitude pour les deux, car nous sommes une chaîne modeste, était de savoir si mes envies pouvaient se conjuguer à mon budget… et cela a été le cas.

Lorsque vous dites que vous avez cherché à desinstitutionnaliser, avez-vous également tenté de la rendre plus sociétale que politique ?

Bertrand: Oui et non. Oui, car à moment, nous avons pensé que LCP c’était La chaîne « politique » avec parfois même une communication autour de cela.
Moi je pense que la chaîne du parlement, c’est la chaîne du parlement, mais que le parlement ce n’est pas que de la « politique politicienne« . C’est de la politique au sens de l’organisation de la vie de la cité; donc de l’ouverture au débat de société et des différentes questions qui traversent le collectif de la société française.

Mais je ne voulais pas qu’on appréhende la politique comme un objet non incarné, non enraciné dans le pays, comme un jeu d’intrigue de couloirs ou la succession de jeux d’échec. C’est quelque chose pour lequel j’ai toujours tenté de m’inscrire en faux, y compris dans mon passé de journaliste politique.  Il était donc assez normal que la réorientation que je tentais d’opérer sur la chaîne se fasse au cœur du parlement et s’ouvre davantage sur la société.

Dans la création de Wax Tailor, nous entendons en effet des échantillons de voix issus du parlement, mais également des « bruits » de ville. Est-ce  pour incarner les décisions qui sont prises afin de ramener de l’humain dans cette chaîne ?

Bertrand: Exactement

« Je parie toujours sur l’intelligence des gens »

Compte tenu du fait que vous avez choisi cet artiste avec le parti-pris que vous aviez en tête,  y a-t-il eu beaucoup d’allers-retours sur cette création ?

Bertrand: Je suis quelqu’un de très respectueux des créateurs, je lui ai donné la feuille de route, et Ghislaine Chenu, la directrice des contenus, a ensuite pris le relais pour gérer les quelques ajustements logiques entre Wax Tailor et Anne Caminade qui devaient faire un pas l’un vers l’autre pour faire en sorte que leurs univers arrivent à se conjuguer. Mais, même là-dessus, je suis assez peu intervenu car je parie toujours sur l’intelligence des gens.

Vous qui avez déjà réalisé plusieurs documentaires, vous savez que le son et l’image au cinéma forment un mariage fort en matière émotionnelle;  y a-t-il selon vous la même force à la télévision ou il s’agit d’un impact différent ?

Bertrand: Aujourd’hui, nous sommes dans des modes de consommation de plus en plus passifs, par rapport à 20 ou 30 ans en arrière. Le téléspectateur est là mais peut pianoter sur son smartphone en même temps, ou manger.

Au fond tout cet environnement crée une forme de désacralisation de l’œuvre ou du contenu qu’il regarde. D’ailleurs je viens d’utiliser le mot contenu, et c’est intéressant de voir comment la sémantique a évolué parce que nous sommes passés du terme d’œuvres, à programmes, à contenus.

Au fond, si on regarde bien, c’est une dépréciation du vocabulaire dans l’objet que l’on regarde qui est à mettre en écho avec la désacralisation que porte le téléspectateur à ce qu’il regarde.

Pour la musique c’est pareil, j’ai en tête le travail de Brian Eno qui avait réalisé un travail autour des aéroports (music for airports); une musique que l’on entendait plus que l’on écoutait. Et pour revenir à la création de Wax Tailor, elle ne se situe pas dans la veine de Brian Eno, mais pas non plus dans l’œuvre d’un compositeur « classique ».

Avez-vous tenté d’être en rupture des codes de votre secteur au moment de cette création ?

Bertrand: En rupture des codes du secteur, non. Mais avec une exigence plus forte, oui.

Je pense qu’un des enjeux qui avait de l’importance pour nous, petite chaîne de compléments afin d’exister, était d’upgrader l’offre éditoriale. Par conséquent l’habillage Wax Tailor/Anne Caminade participe de cela avec des partis pris exigeants. Car je persiste à penser que c’était notre seul levier de croissance, et les faits m’ont donné raison car l’année dernière avant même ce nouvel habillage la chaîne a progressé de plus de 10% d’audience.

« Je fais le pari de la durée »

Dernière question, comment fait-on vivre cette nouvelle identité visuelle et sonore ? Selon vous, quand faudrait-il (ou pas) la modifier, l’adapter ou la changer ?

Bertrand: Une des raisons pour lesquelles, nous avons fait un habillage sonore sur les intertitres, les bandes annonces et quelques rares génériques d’émissions uniquement, c’est d’abord pour que l’habillage devienne et demeure une marque forte de la chaîne qui va supporter les programmes. En faisant ce service à minima, je fais le pari de la durée.

Merci Bertrand Delais pour votre participation. La parole est désormais donnée à Wax Tailor.

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Cette étude a été réalisée en avril-mai 2019 auprès de 34 000 personnes,venant de plusieurs pays dans le monde (Argentine, Australie, Brésil, Canada, France, Allemagne, Italie, Japon, Mexique, Pays-bas, Nouvelle-Zélande, Pologne, Russie, Afrique du Sud, Corée du Sud, Espagne, Suède, Royaume-Uni et Etats-Unis).

Voici ce qu’il faut retenir :
 

Le streaming, un usage populaire dans le monde entier

89% des personnes interrogées écoutent de la musique en streaming à la demande.

La durée hebdomadaire d’écoute de musique a d’ailleurs augmentée.
Aujourd’hui, elle est de 18H. Soit une durée d’écoute quotidienne supérieure à 2,6H.

De plus, aujourd’hui, le streaming séduit toutes les générations de consommateurs de musique.

Des auditeurs passionnés de musique

Aujourd’hui plus de la moitié (54%) des personnes interrogées prétendent être des passionnés de musique. Même si cette attachement est plus fort chez les 16-24 ans (63%).

‘Les fans les plus impliqués cherchent à écouter, partager et interagir avec la musique dans leur vie quotidienne, que ce soit à travers les nouvelles technologies, les réseaux sociaux, les concerts ou de toute autre manière possible’.

Les genres musicaux préférés dans le monde

Contrairement à ce que l’on pourrait le croire, c’est la pop qui reste le style musical le plus apprécié dans le monde.

Vient ensuite le rock, les « Golds » (chansons à succès) et le hip-hop/rap.
La dance et l’electro ne viennent qu’en 5ème position.

 
Pour retrouver l’étude complète, c’est par ici

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Les collectifs CURA et la GAM ont publié une étude qui fait froid dans le dos. Inspirée du sondage ‘Health & Wellbeing Survey‘, réalisée en 2014 par l’organisation britannique ‘Help Musicians UK‘, cette nouvelle étude a été menée sur un échantillon de 503 individus – entre mai et septembre 2019.

L’objet de cette enquête : faire le bilan de la santé mentale et du bien être des acteurs de l’industrie musicale (artistes et professionnels).

Portrait des répondants

Sur les 503 personnes interrogées, 51% à avoir répondu sont des femmes, 48% des hommes et 1% non renseigné. Pour la majorité (64%) ils sont âgés entre 25 et 45 ans.
55% des répondants sont des artistes; et 45% des professionnel(les) de la musique.

On se rend compte qu’une majorité d’hommes exercent les métiers d’ingénieur du son, de réalisateur artistique et de direction artistique, quand les femmes sont majoritaires dans les métiers de chef de projet, de la communication, du marketing, de l’administratif, de l’édition et du booking.

La majorité exerce son métier depuis moins de 10 ans.
Et 7 personnes interrogées sur 10 n’ont pas d’enfant.

Des chiffres alarmants

Les résultats sont sans appel !

D’après cette étude :
– 4 individus sur 5 souffriraient de troubles du sommeil, de mauvaises habitudes alimentaires et manqueraient d’exercice physique;
– 4 individus sur 5 souffriraient d’anxiété quant à leur avenir professionnel, et de pression liée à leurs performances ainsi qu’aux attentes et aux résultats;
– 4 individus sur 5 éprouveraient (parfois ou souvent) une sensation de déprime;
– 43% disent avoir (parfois ou souvent) des problèmes d’alcool, contre 10% des adultes français; et 30% des problèmes de drogues et d’addiction;
– 1 femme sur 2 travaillant dans l’industrie musicale aurait été victime de harcèlement moral;
– et 31% des répondantes disent avoir été victimes, au moins une fois, de harcèlement sexuel (soit presque 1 femme sur 3)…

Ainsi, si on dresse le bilan, on se rend compte que manque de sommeil, anxiété, alcool, stress… font partie du quotidien de ceux qui ont fait de la musique leur métier. Sans oublier le harcèlement sexuel et moral pour les femmes travaillant dans cette industrie.
Une Tribune avait d’ailleurs été publiée par Télérama en avril dernier.

Même si les résultats sont à prendre avec beaucoup de précaution, cela appelle en tout cas à la réflexion.

L’étude complète est à retrouver par ici

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Et ce qu’il faut retenir c’est que, en 2018, le marché mondial de la musique enregistrée a affiché une hausse de 9,7%, pour la 4ème année consécutive. C’est la progression la plus forte depuis que l’IFPI a commencé à produire des données internationales.
 

Les chiffres 2018, par mode d’exploitation

Sans grande surprise, on y apprend que cette croissance est principalement portée par la hausse des revenus du streaming par abonnement; représentant à lui seul 37% du chiffre d’affaires mondial.

Les droits voisins, c’est à dire tous les revenus issus de l’utilisation de la musique enregistrée par les radiodiffuseurs et la sonorisation des lieux publics, ont quant à eux progressé de 9,8% en 2018; représentant alors 14% du revenu total de l’industrie musicale.

La synchro, donc les revenus issus de l’utilisation de la musique dans la publicité, le cinéma, les jeux et les programmes de télévision ont augmenté de 5,2% (soit une progression plus modeste que l’an dernier (+14,6%), même s’ils conservent une part de 2,3% du chiffre d’affaires total).

Les chiffres 2018, par région

Au Top 10 du classement mondial, certains des marchés ayant connu la plus forte progression se trouvent en Asie et en Amérique Latinée (Corée du Sud, Chine et Brésil): l’Asie devenant pour la 1ère fois, la seconde région la plus importante pour la musique enregistrée physique et numérique combinés.

Affichant une croissance de 11,7%,l’Asie et l’Australasie sont devenues la 2ème plus importante région mondiale.

L’Amérique Latine, elle, a connu l’un des plus forts taux de progression à l’échelle mondiale (+16,8%).

Ensuite vient l’Amérique du Nord, avec une nouvelle année de croissance (+14,2%), même si ce taux est légèrement inférieur à celui de 2017.

En hausse de seulement 0,1%, le marché européen affiche une progression modeste. De plus, on constate des disparités significatives selon les pays de la région.
 

La musique n’a plus de frontière

La musique est devenue plus que jamais universelle.
Aujourd’hui, la langue chantée n’est plus un obstacle pour conquérir le public au-delà de ses propres frontières.

Les niveaux d’investissement toujours plus élevés des maisons de disques, conjugués au déploiement géographique des infrastructures de notre industrie sont le moteur de cette dynamique de développement des nouveaux marchés.

Acteurs de cet essor, les labels mettent la musique de leurs artistes à la disposition d’un public toujours plus large et complètement international, en même temps que les fans ont eux, un accès de plus en plus varié et exhaustif à l’ensemble d’un répertoire produit dans le monde entier.

Associée à l’essor du streaming par nature sans frontière, l’approche de plus en plus globale des projets artistiques par les labels à apporté une impulsion totalement nouvelle à la carrière internationale des artistes.

Le cas Aya Nakamura

Aya Nakamura, signée chez Warner Music France, est un parfait exemple de ces talents qui explosent dans leur pays et entament simultanément une carrière internationale.

Thierry Chassagne, Président de Warner Music France, raconte que le développement de la notoriété d’Aka Aya Nakamura allait de pair avec leur stratégie de création d’une base de fans au sein de la communauté de l’artiste, l’amenant dans un 1er temps à la célébrité en France, pour ensuite partir à la conquête des pays où le buzz s’intensifiait.

Et, c’est avec l’aide de leurs affiliés (qui connaissent très bien leurs médias, leurs influenceurs…) qui les ont guidé vers les partenariats les plus intéressants, que Warner Music France a eu la capacité de donner une résonance internationale à ce projet.

La valeur ajoutée des labels

L’une des conséquences de la croissance retrouvée ces dernières années a été le niveau soutenu des investissements des maisons de disques, tant auprès des artistes que de leurs équipes et dans leur engagement dans le monde entier. Elles ont investi plus d’un tiers de leur chiffre d’affaires annule (5,8 milliards US $) en Artistique et Répertoire (A&R) ainsi qu’en marketing, pour faire émerger, développer et accompagner les artistes.

Les investissements ont non seulement permis aux maisons de disques de faire évoluer leurs organisations et d’étendre leur présence internationale, mais aussi de donner plus de moyens aux équipes dynamiques et passionnées qui constituent le socle de l’industrie musicale.

Un autre des enjeux d’aujourd’hui, mais surtout de demain, est la vision stratégique dans la conclusion des partenariats avec les marques. Les labels sont en mesure de concevoir et proposer des solutions de développement de carrière, aussi bien aux artistes émergents qu’aux stars internationales.

Ces partenariats là ont évolué, passant de contrats ponctuels à des associations désormais sur le long terme, générant un bénéfice d’image tant pour les artistes que pour les marques.

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Des sonorités rock en cohérence avec l’ADN de la marque

Depuis sa création, la marque a su créer un lien affectif avec ses clients. Une relation qui a traversé le temps, notamment grâce à la musique, partie intégrante de son ADN. Ils sont nombreux les créatifs de Sixième Son à avoir flâné dans les rayons de la Fnac, sans intention précise, pour ouvrir un livre, découvrir des albums, essayer un jeu ou du matériel hi-fi… Il leur tenait donc à cœur d’imaginer une identité sonore facilement mémorisable, qui renforce les valeurs de la marque et les piliers de sa réussite : de la modernité, de l’humain et de l’expertise. À travers des sons propriétaires au caractère bien trempé inspirés de ses racines « rock », Sixième Son inscrit l’identité sonore de la Fnac dans la continuité de son histoire tout en lui permettant de revendiquer sa singularité.

Complémentarité et homogénéité sur tous les canaux

L’agence a fait du son un outil de transversalité pour la marque, marque omnicanale par excellence. L’identité sonore permet en effet d’apporter de la cohérence à tous les points de contact, sur toutes les plateformes. Déclinable en digital, en magasin, en téléphonie, en TV et radio etc., elle se déploie dans une perspective véritablement holistique pour apporter de la fluidité dans un parcours client enrichi et personnalisé.
Avec cette stratégie sonore innovante et centrée sur l’expérience, la Fnac ose et s’adapte aux nouveaux usages pour fidéliser ses clients et partir à la conquête de nouvelles cibles.

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C’est à l’occasion du Salon International de l’Automobile IAA de Francfort que l’identité du groupe est été présentée à travers une nouvelle charte graphique bien plus épurée, présentée comme le « New Volkswagen ».

 « Le nouveau design de marque annonce le début d’une nouvelle ère pour Volkswagen. En formulant de nouveaux contenus et en proposant de nouveaux produits, la marque s’engage dans une transformation fondamentale vers un avenir neutre en émissions pour tous. Il est maintenant temps d’afficher la nouvelle orientation de la marque aux yeux du monde extérieur ».

 Jürgen Stackmann, membre du Directoire en charge des Ventes, du Marketing et du service Après-Vente

Le communiqué de presse précise également :

Le symbole et signe distinctif de cette transformation sera le nouveau logo, qui sera plus moderne, plus clair et plus simple. Il sera réduit à ses éléments essentiels et présenté avec un nouveau design bidimensionnel plus plat, qui permettra un usage plus flexible et sera extrêmement identifiable dans les médias numériques. Jusque-là, le logo était bleu et blanc. Une nouvelle teinte de bleu a été ajoutée, ce qui permet des variantes de couleur supplémentaires. Étant donné que l’application digitale aux interfaces simples et conviviales est devenue extrêmement importante, le logo sera dorénavant positionné de manière flexible avec le nouveau « cadre mobile ».

Que nous inspire leur nouvelle signature sonore ?

En plus de son identité visuelle, le sonore est repensé. Exit, l’approche neutre d’un nom cité ou en rupture avec l’approche « bruitiste » de certains de ses concurrents (on  se souvient de ce logo BMW « ancienne version » notamment), cette fois ci la musique est « Le » vecteur principal de l’émotion. Une base synthé (type moog) avec un motif musical proche de l’arpège. Peu de groove, mais une sonorité « eighties » presque new wav appuyée par une voix off féminine citant la marque en guise (dans un premier temps ?) de ponctuation finale.

Le parti pris est en rupture de la radicalité voir neutralité des créations précédentes. La féminité et la grammaire sonore utilisée va sans doute adoucir les contours peut être trop « carrés » du constructeur germanique concrétisant sans doute une volonté de reconquête d’un public dont un partie a sans doute en mémoire les récents déboires de la marque.

Reste à voir si Volkswagen va faire des émules au sein même de l’écosystème  automobile avec ce repositionnement. Affaire à suivre donc…

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VIISUALIIZER, UNE EXPÉRIENCE ONLINE INTÉRACTIVE

Le géant du streaming audio, ne cessera donc jamais de nous surprendre !

Avec le groupe Bon Iver, ils ont lancé cette plateforme dédiée, nommée « Viisualiizer« ; et où les internautes peuvent alors vivre une expérience online interactive.

Alors, pourquoi « Viisualiizer » ? Pourquoi pas simplement « Visualizer » ?
et bien, si vous ne le savez pas, c’est que vous n’avez pas encore écouté le nouvel album de Bon Iver ! Celui-ci s’appelle « i,i » et l’on y trouve des titres appelés « Yi », « iMi », ou encore « RABi ».

Bref, Spotify et le groupe ont donc exploré à fond l’esthétique de la lettre « i », pour offrir une plateforme interactive basée sur le « i », et permettant de voir les statistiques d’écoute en temps réel.

On ADORE !

Si vous voulez checker par vous même, c’est par ici

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En rachetant cette société, Hasbro récupère en même temps Death Row ainsi que tout le catalogue, contenant des titres de Snoop Dogg, Dr. Dre, 2Pac et d’autres artistes.

« L’achat de ces marques, qui sont extrêmement rentables et traduisibles en produits dérivés, est une occasion de croissance stratégique pour Hasbro »

Brian Goldner

Death Row Records compte plus de 50 millions d’albums écoulés qui ont rapporté près de 750 millions $. La société met la clé sous la porte en 2006, et est rachetée en janvier 2009 par WIDEawake Entertainment Group, Inc. pour 18 millions $ et c’est en 2013  que Entertainment One rachète les droits du catalogue de Death Row Records.

Brian Goldner, PDG d’Hasbro, a commenté l’achat d’eOne en ces termes: «L’acquisition d’eOne ajoute des marques familiales mondiales bien connues et basées sur l’histoire, qui génèrent de solides rendements opérationnels pour le portefeuille de Hasbro et fournissent un portefeuille de nouvelles créations fondées sur une narration axée sur la famille».

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