Pour cette nouvelle interview, nous sommes allés à la rencontre de Élise Luguern, pionnière de la musique à l’image dans le cinéma.

C’est elle qui se cache derrière les bandes sons de « Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu ? », « La vie d’Adèle », « La jalousie », « Les vacances de Ducobu » ou encore « Les infidèles », pour ne citer que quelques-uns des nombreux longs-métrages sur lesquels elle a bossé.

# L’EDS – Hello Élise ! Merci de nous recevoir et de répondre à nos questions. On est super contents de t’avoir aujourd’hui !

Pour ceux et celles qui ne te connaîtraient pas, peux-tu te présenter en quelques mots sur ton parcours, ton expérience ?

Élise – Hello !

Alors, dans les grandes lignes, j’ai commencé comme violoniste. Ensuite, j’ai vécu aux États-Unis, où j’ai monté des festivals de courts-métrages français. Puis je suis entrée chez EMI Classic, en tant qu’attachée de presse avant d’arriver chez Luc Besson, au département musique (où je suis restée 5 ans). 

Pour finir, j’ai monté ma structure de supervision musicale, accompagnée de Lucile Egal, avec qui je travaille depuis un bon nombre d’années maintenant. On s’occupe de toute la musique d’un film, d’un point de vue artistique et de production.

# L’EDS – Du coup, le métier de Music Superviser dans le cinéma, la télé, etc. c’est de gérer de A à Z la musique, et ça de tous les points de vue ?

Élise – Exactement ! 

En France, c’est différent des États-Unis, où tout est plus compartimenté : il y a celui qui va chercher les synchros, celui qui va clearer les synchros, celui qui va faire la production exécutive …. 

Ici, un superviseur musical doit gérer tous ces aspects. On est au carrefour de l’économie, de l’artistique et du juridique.

# L’EDS – Et du coup quels en sont les enjeux ?

Élise – Ma manière d’aborder ce métier est très liée à l’impératif que je me fixe de ne pas dépasser le budget, financièrement parlant. Car autant on n’a pas d’obligation d’économie, puisqu’on est dans le coût du film, autant on ne peut pas dépasser le budget. 

Juridiquement aussi, c’est de faire en sorte que la chaîne des droits soit très claire et bordée de toute part. 

Cela implique de faire attention à ce que tous les ayant-droits aient été consultés préalablement. Pour être clean juridiquement.

Enfin artistiquement, et le cœur du métier est vraiment là. En tout cas, il est la raison pour laquelle je fais ce métier. L’enjeu est de comprendre ce que le réalisateur veut et de le mettre en forme.

# L’EDS – N’est-ce pas la partie la plus « dure » du métier ?

Élise – Je ne sais pas si c’est le plus dur… Car c’est aussi ce qui est le plus excitant ! C’est ce que je fais avec le plus de plaisir. Il faut écouter un réalisateur. Lui parler… Mais pas que de son film. De plein de choses. De sa vie, de ce qu’il aime, de ce qu’il n’aime pas… On est un peu obligé de se mettre dans sa tête et de comprendre ce qu’il veut afin de ne pas trahir son propos artistique.

# L’EDS – Et si, par exemple, un réalisateur n’a pas de sensibilité musicale, comment tu arrives à gérer cette relation ?

Élise – Alors je me fais forcément une idée de la place de la musique à la lecture d’un scénario. Mais cela va être ma vision. Peut-être sera-t-elle différente de la sienne du coup. Mais l’idée, c’est de faire des propositions. De lui dire « Voilà, moi j’entendrais ça. Toi, qu’est-ce que tu en penses ? ».

Soit ça marche, soit ça ne marche pas. Mais au moins, ça va leur permettre de rebondir et de déterminer, non pas forcément ce qu’ils veulent, mais pourquoi ils n’aiment pas ce que tu viens de leur présenter. Et toi de ton côté, par élimination, tu affines tes recherches.

Parfois, en un RDV, tu as tout de suite cerné les attentes ; pour d’autres, il faut 4 à 5 réunions.

Mais en règle générale, à chaque première recherche que j’envoie, je me sens comme une bachelière qui va chercher ses résultats. Je suis complètement flippée car je me dis que je suis peut-être à côté de la plaque. Et, plus de 250 films après, ce sentiment ne m’a pas vraiment quittée.

Mais heureusement quelque part ! Sinon j’arrêterais de faire ce métier (rires). Ça voudrait dire que je suis blasée.

# L’EDS – Comment choisit-on entre musique originale et musique préexistante ?

Élise – Si on enlève l’aspect économique (puisque la musique préexistante coûte beaucoup plus cher que la musique originale), il y a des évidences au cinéma. Par exemple, pour les séquences clippées, on va généralement mettre un titre préexistant. Il y a des codes.

Il y a aussi les musiques que l’on dit diégétiques. Par exemple, une scène de fête, une scène de bar où potentiellement on se dit qu’il faudra une synchro.

Et pour les belles synchros, les belles chansons, il faut qu’il y ait de l’espace à l’image. S’il y a beaucoup de dialogues, tu ne peux pas mettre une synchro. Ne serait-ce qu’au niveau des fréquences, cela risque de se court-circuiter.

C’est véritablement au montage, et en fonction de la façon dont le réalisateur va monter son film, qu’on va pouvoir déterminer dans quelle(s) scène(s) il y a suffisamment d’espace pour mettre de la synchro.

# L’EDS – Du coup, c’est mieux de choisir pendant le montage quelles séquences a besoin de musique ?

Élise – Oui, on fait rarement un découpage musical sur scénario. Sur scénario, on fait plutôt des relevés musiques. Autrement dit, à la lecture, on voit qu’il y a une scène dans un bar ou en boîte de nuit et là, on sait qu’il va y avoir de la musique à insérer. Ces séquences-là sont faciles à identifier et à déterminer en amont. Ce travail préalable, avant le tournage, consiste aussi à faire attention à ce que l’équipe ne tourne pas avec un Mickael Jackson sur le plateau que je ne pourrais pas retirer en post-prod.

De manière générale, créer de la musique sans les images… c’est compliqué ! Et quand je l’ai fait – sur demande de la prod ou du réal – ce qu’on avait imaginé au début n’est jamais allé au bout.

Un réalisateur pendant le tournage va constituer de la matière. Mais le moment clé de la supervision musicale, c’est évidemment le montage. C’est là que la vraie histoire s’écrit, que le rythme se donne. Si tu as imaginé un thème musical plutôt lent et que le réalisateur monte finalement super « cut », cela ne va pas marcher. Cela va au contraire tout ramollir parce que le tempo de la musique ne suivra pas le tempo de l’image…

# L’EDS – Et pour le score, comment ça se passe de manière concrète ? J’imagine qu’on n’appréhende pas la musique originale de la même manière que le reste ?

Élise – Certains réalisateurs aiment bien travailler avec leurs compositeurs.

Mais certains n’ont pas d’idée(s) précise(s). Mon rôle c’est alors de proposer tel ou tel compositeur, c’est d’être prescripteur. Une question toute bête, par exemple, consiste à leur demander ce qu’ils ont aimé comme BO ces derniers temps. Des choses qui ne seront pas forcément adaptées à leur film. Mais c’est une manière de voir à quoi ils sont sensibles.

Et puis il y a des réalisateurs vont me transmettre leur scénario et me demander ce que j’en pense. J’en discute alors avec eux et je leur dis ce que j’imagine, qui on devrait solliciter sur le projet.

Je bosse avec beaucoup de réalisateurs avec qui une vraie complicité s’est créée. On connaît nos méthodes de travail et on se fait confiance.

# L’EDS – Est-ce ton rôle de briefer le compositeur ?

Élise – Oui et non ! Je dirais que je suis la porte-parole musicale du réalisateur. Il va me parler dans son langage et pas forcément avec une terminologie musicale. Mon travail va consister à traduire ses intentions et directives auprès du compositeur.

Dans le processus de composition, je vais être là au moment des briefs. Je comprends ainsi ce que le réalisateur veut. Et quand le compositeur livre, je vérifie qu’il a lui-même bien compris ce que le réal attendait.

C’est vraiment ce pour quoi je fais ce métier. Avoir les mains dans le cambouis sur la partie artistique. 

C’est vraiment ce pour quoi je fais ce métier. Avoir les mains dans le cambouis sur la partie artistique. 

# L’EDS – Du coup, tu préfères la partie score ou synchro ?

Élise – Score, clairement. Car tu crées quelque chose. Tu travailles vraiment de la matière musicale.

Pour la synchro, ce qui est très agréable c’est quand il y a un titre qui marche vraiment bien à l’image. Mais tu as moins d’input dedans… Ce n’est pas pareil.

# L’EDS – Selon toi, c’est quoi une BO de film réussie ?

Élise – Une BO de film réussie, c’est une BO dont tu ne remarques pas la musique tant elle épouse bien le film et ne nuit pas à la narration de ce dernier… Mais dont tu sors en chantant le thème ! Ça c’est classe ! (Rires).

# L’EDS – Parmi tous les projets sur lesquels tu as bossé, quels sont ceux dont tu en es la plus fière ?

Élise – Je ne peux pas répondre à cette question. (Rires)

Je vais vexer les autres si je n’en choisis qu’un. (Rires)

Non mais, blague à part, je ne peux vraiment pas choisir. 

Tu mets tellement d’énergie quand tu travailles sur un film… Clairement, tu ne peux pas choisir parce que tu les aimes tous, sincèrement.

# L’EDS – Toi qui est l’une des pionnières de la supervision musicale en France, pourquoi avoir décidé de rejoindre Josette Music Club

Élise – Et bien nous, on fait du cinéma. Eux, ils font de la pub. Et on travaille de la même manière. On fait du sur-mesure, aussi bien nous avec nos réalisateurs de films, qu’eux avec les marques. 

Et cela faisait bien trop longtemps qu’on aimait le travail l’un de l’autre pour ne pas se dire à un moment « Allez, on saute le pas ! On fait quelque chose ensemble ».

Nous ne sommes pas en train de fusionner un même marché pour devenir plus gros.

Nous travaillons main dans la main pour faire la même chose, de la même manière, mais dans des univers un peu différents et pour s’enrichir mutuellement.

# L’EDS – L’idée c’est de valoriser la musique à l’image dans tous ses aspects ?

Élise – Ah oui, c’est sûr. On a vraiment cette exigence d’artisan. Et j’ai besoin de travailler comme ça.

# L’EDS – Si ta vie était un film, quelle en serait la bande son ? En 6 titres max.

Élise – Star Wars direct. J’aime énormément ! C’est un vrai opéra. 

Et d’avoir laissé de la place pour cette force musicale là, c’est énorme. C’est rare…

La saga n’aurait pas la puissance qu’elle a sans sa musique. C’est un monument. 

Donc oui, la BO de ma vie serait Star Wars 1. Star Wars 2. Ou 3. (Rires)

# L’EDS – Merci Élise ! C’était un vrai plaisir de t’interviewer. 

On te dit à très vite pour une autre interview.

Retrouvez Josette Music Club sur les réseaux sociaux :
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Il était une fois… Emily In Paris !

Emily In Paris, cette série diffusée sur Netflix depuis octobre, n’a pas encore cessé de faire parler d’elle !
Il y a quelques jours, le très célèbre Billboard américain annonçait le titre « Non, je ne regrette rien » en tête du classement du Top 10 des chansons TV aux USA.

Synchronisé dans la première saison d’Emily in Paris, le titre se classe donc n°1, avec 687 000 streams (US) et près de 4 000 téléchargements, en octobre 2020.

De plus, son succès dans les ventes numériques a permis à la chanson de revenir dans le classement mondial des ventes de chansons numériques du Billboard, apparaissant d’abord à la 16ème place du classement du 3 octobre, avant de se hisser à la 6ème place la semaine suivante.

Netflix, le nouvel eldorado pour les artistes ?

Alors qu’avant on ne parlait que de synchro Pub, les synchros dans des séries Netflix seraient-elles le nouvel eldorado pour les artistes ?

À en croire le classement Billboard, on remarque que l’artiste Kid Francescoli profite également de cette belle exposition offerte par la série créée par Darren Star (Sex and the City).

En effet, son titre « Moon » (sorti en 2017) se positionne à la quatrième place du Top 10 du magazine et connait, lui aussi, un regain de streams.

On se rappellera d’ailleurs que l’artiste marseillais avait déjà fait parler de lui, grâce au buzz mondial sur Tik Tok de ce même titre. De nombreux utilisateurs mais aussi J.Lo (oui ! Jennifer Lopez elle-même) et Dwayne Johnson (alias, The Rock) s’étaient emparés de sa musique pour illustrer leurs vidéos.

Mais, quoi qu’il en soit, en regardant de plus près le classement, on constate que sur le TOP 10 des chansons TV, 8 sont issues de séries Netflix.

Top 10 :
1. « Non, Je Ne Regrette Rien, » Edith Piaf, Emily in Paris (Netflix)
2. « I Shall Believe, » Sheryl Crow, The Haunting of Bly Manor (Netflix)
3. « Fever, » Peggy Lee, The Queen’s Gambit (Netflix)
4. « Moon, » Kid Francescoli, Emily in Paris (Netflix)
5. « Bad, » U2, The 100 (The CW)
6. « Classical Gas, » Mason Williams, The Queen’s Gambit (Netflix)
7. « Burst Into Flames, » Cavale, Emily in Paris (Netflix)
8. « I’ve Got an ‘A’ in Love, » Al Hazan, Kipo and the Age of Wonderbeasts (Netflix)
9. « Venus, » Shocking Blue, The Queen’s Gambit (Netflix)
10. « Boys Wanna Be Her, » Peaches, The Boys (Amazon)

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Cette étude a été réalisée en avril-mai 2019 auprès de 34 000 personnes,venant de plusieurs pays dans le monde (Argentine, Australie, Brésil, Canada, France, Allemagne, Italie, Japon, Mexique, Pays-bas, Nouvelle-Zélande, Pologne, Russie, Afrique du Sud, Corée du Sud, Espagne, Suède, Royaume-Uni et Etats-Unis).

Voici ce qu’il faut retenir :
 

Le streaming, un usage populaire dans le monde entier

89% des personnes interrogées écoutent de la musique en streaming à la demande.

La durée hebdomadaire d’écoute de musique a d’ailleurs augmentée.
Aujourd’hui, elle est de 18H. Soit une durée d’écoute quotidienne supérieure à 2,6H.

De plus, aujourd’hui, le streaming séduit toutes les générations de consommateurs de musique.

Des auditeurs passionnés de musique

Aujourd’hui plus de la moitié (54%) des personnes interrogées prétendent être des passionnés de musique. Même si cette attachement est plus fort chez les 16-24 ans (63%).

‘Les fans les plus impliqués cherchent à écouter, partager et interagir avec la musique dans leur vie quotidienne, que ce soit à travers les nouvelles technologies, les réseaux sociaux, les concerts ou de toute autre manière possible’.

Les genres musicaux préférés dans le monde

Contrairement à ce que l’on pourrait le croire, c’est la pop qui reste le style musical le plus apprécié dans le monde.

Vient ensuite le rock, les « Golds » (chansons à succès) et le hip-hop/rap.
La dance et l’electro ne viennent qu’en 5ème position.

 
Pour retrouver l’étude complète, c’est par ici

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Les collectifs CURA et la GAM ont publié une étude qui fait froid dans le dos. Inspirée du sondage ‘Health & Wellbeing Survey‘, réalisée en 2014 par l’organisation britannique ‘Help Musicians UK‘, cette nouvelle étude a été menée sur un échantillon de 503 individus – entre mai et septembre 2019.

L’objet de cette enquête : faire le bilan de la santé mentale et du bien être des acteurs de l’industrie musicale (artistes et professionnels).

Portrait des répondants

Sur les 503 personnes interrogées, 51% à avoir répondu sont des femmes, 48% des hommes et 1% non renseigné. Pour la majorité (64%) ils sont âgés entre 25 et 45 ans.
55% des répondants sont des artistes; et 45% des professionnel(les) de la musique.

On se rend compte qu’une majorité d’hommes exercent les métiers d’ingénieur du son, de réalisateur artistique et de direction artistique, quand les femmes sont majoritaires dans les métiers de chef de projet, de la communication, du marketing, de l’administratif, de l’édition et du booking.

La majorité exerce son métier depuis moins de 10 ans.
Et 7 personnes interrogées sur 10 n’ont pas d’enfant.

Des chiffres alarmants

Les résultats sont sans appel !

D’après cette étude :
– 4 individus sur 5 souffriraient de troubles du sommeil, de mauvaises habitudes alimentaires et manqueraient d’exercice physique;
– 4 individus sur 5 souffriraient d’anxiété quant à leur avenir professionnel, et de pression liée à leurs performances ainsi qu’aux attentes et aux résultats;
– 4 individus sur 5 éprouveraient (parfois ou souvent) une sensation de déprime;
– 43% disent avoir (parfois ou souvent) des problèmes d’alcool, contre 10% des adultes français; et 30% des problèmes de drogues et d’addiction;
– 1 femme sur 2 travaillant dans l’industrie musicale aurait été victime de harcèlement moral;
– et 31% des répondantes disent avoir été victimes, au moins une fois, de harcèlement sexuel (soit presque 1 femme sur 3)…

Ainsi, si on dresse le bilan, on se rend compte que manque de sommeil, anxiété, alcool, stress… font partie du quotidien de ceux qui ont fait de la musique leur métier. Sans oublier le harcèlement sexuel et moral pour les femmes travaillant dans cette industrie.
Une Tribune avait d’ailleurs été publiée par Télérama en avril dernier.

Même si les résultats sont à prendre avec beaucoup de précaution, cela appelle en tout cas à la réflexion.

L’étude complète est à retrouver par ici

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Et ce qu’il faut retenir c’est que, en 2018, le marché mondial de la musique enregistrée a affiché une hausse de 9,7%, pour la 4ème année consécutive. C’est la progression la plus forte depuis que l’IFPI a commencé à produire des données internationales.
 

Les chiffres 2018, par mode d’exploitation

Sans grande surprise, on y apprend que cette croissance est principalement portée par la hausse des revenus du streaming par abonnement; représentant à lui seul 37% du chiffre d’affaires mondial.

Les droits voisins, c’est à dire tous les revenus issus de l’utilisation de la musique enregistrée par les radiodiffuseurs et la sonorisation des lieux publics, ont quant à eux progressé de 9,8% en 2018; représentant alors 14% du revenu total de l’industrie musicale.

La synchro, donc les revenus issus de l’utilisation de la musique dans la publicité, le cinéma, les jeux et les programmes de télévision ont augmenté de 5,2% (soit une progression plus modeste que l’an dernier (+14,6%), même s’ils conservent une part de 2,3% du chiffre d’affaires total).

Les chiffres 2018, par région

Au Top 10 du classement mondial, certains des marchés ayant connu la plus forte progression se trouvent en Asie et en Amérique Latinée (Corée du Sud, Chine et Brésil): l’Asie devenant pour la 1ère fois, la seconde région la plus importante pour la musique enregistrée physique et numérique combinés.

Affichant une croissance de 11,7%,l’Asie et l’Australasie sont devenues la 2ème plus importante région mondiale.

L’Amérique Latine, elle, a connu l’un des plus forts taux de progression à l’échelle mondiale (+16,8%).

Ensuite vient l’Amérique du Nord, avec une nouvelle année de croissance (+14,2%), même si ce taux est légèrement inférieur à celui de 2017.

En hausse de seulement 0,1%, le marché européen affiche une progression modeste. De plus, on constate des disparités significatives selon les pays de la région.
 

La musique n’a plus de frontière

La musique est devenue plus que jamais universelle.
Aujourd’hui, la langue chantée n’est plus un obstacle pour conquérir le public au-delà de ses propres frontières.

Les niveaux d’investissement toujours plus élevés des maisons de disques, conjugués au déploiement géographique des infrastructures de notre industrie sont le moteur de cette dynamique de développement des nouveaux marchés.

Acteurs de cet essor, les labels mettent la musique de leurs artistes à la disposition d’un public toujours plus large et complètement international, en même temps que les fans ont eux, un accès de plus en plus varié et exhaustif à l’ensemble d’un répertoire produit dans le monde entier.

Associée à l’essor du streaming par nature sans frontière, l’approche de plus en plus globale des projets artistiques par les labels à apporté une impulsion totalement nouvelle à la carrière internationale des artistes.

Le cas Aya Nakamura

Aya Nakamura, signée chez Warner Music France, est un parfait exemple de ces talents qui explosent dans leur pays et entament simultanément une carrière internationale.

Thierry Chassagne, Président de Warner Music France, raconte que le développement de la notoriété d’Aka Aya Nakamura allait de pair avec leur stratégie de création d’une base de fans au sein de la communauté de l’artiste, l’amenant dans un 1er temps à la célébrité en France, pour ensuite partir à la conquête des pays où le buzz s’intensifiait.

Et, c’est avec l’aide de leurs affiliés (qui connaissent très bien leurs médias, leurs influenceurs…) qui les ont guidé vers les partenariats les plus intéressants, que Warner Music France a eu la capacité de donner une résonance internationale à ce projet.

La valeur ajoutée des labels

L’une des conséquences de la croissance retrouvée ces dernières années a été le niveau soutenu des investissements des maisons de disques, tant auprès des artistes que de leurs équipes et dans leur engagement dans le monde entier. Elles ont investi plus d’un tiers de leur chiffre d’affaires annule (5,8 milliards US $) en Artistique et Répertoire (A&R) ainsi qu’en marketing, pour faire émerger, développer et accompagner les artistes.

Les investissements ont non seulement permis aux maisons de disques de faire évoluer leurs organisations et d’étendre leur présence internationale, mais aussi de donner plus de moyens aux équipes dynamiques et passionnées qui constituent le socle de l’industrie musicale.

Un autre des enjeux d’aujourd’hui, mais surtout de demain, est la vision stratégique dans la conclusion des partenariats avec les marques. Les labels sont en mesure de concevoir et proposer des solutions de développement de carrière, aussi bien aux artistes émergents qu’aux stars internationales.

Ces partenariats là ont évolué, passant de contrats ponctuels à des associations désormais sur le long terme, générant un bénéfice d’image tant pour les artistes que pour les marques.

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Des sonorités rock en cohérence avec l’ADN de la marque

Depuis sa création, la marque a su créer un lien affectif avec ses clients. Une relation qui a traversé le temps, notamment grâce à la musique, partie intégrante de son ADN. Ils sont nombreux les créatifs de Sixième Son à avoir flâné dans les rayons de la Fnac, sans intention précise, pour ouvrir un livre, découvrir des albums, essayer un jeu ou du matériel hi-fi… Il leur tenait donc à cœur d’imaginer une identité sonore facilement mémorisable, qui renforce les valeurs de la marque et les piliers de sa réussite : de la modernité, de l’humain et de l’expertise. À travers des sons propriétaires au caractère bien trempé inspirés de ses racines « rock », Sixième Son inscrit l’identité sonore de la Fnac dans la continuité de son histoire tout en lui permettant de revendiquer sa singularité.

Complémentarité et homogénéité sur tous les canaux

L’agence a fait du son un outil de transversalité pour la marque, marque omnicanale par excellence. L’identité sonore permet en effet d’apporter de la cohérence à tous les points de contact, sur toutes les plateformes. Déclinable en digital, en magasin, en téléphonie, en TV et radio etc., elle se déploie dans une perspective véritablement holistique pour apporter de la fluidité dans un parcours client enrichi et personnalisé.
Avec cette stratégie sonore innovante et centrée sur l’expérience, la Fnac ose et s’adapte aux nouveaux usages pour fidéliser ses clients et partir à la conquête de nouvelles cibles.

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C’est à l’occasion du Salon International de l’Automobile IAA de Francfort que l’identité du groupe est été présentée à travers une nouvelle charte graphique bien plus épurée, présentée comme le « New Volkswagen ».

 « Le nouveau design de marque annonce le début d’une nouvelle ère pour Volkswagen. En formulant de nouveaux contenus et en proposant de nouveaux produits, la marque s’engage dans une transformation fondamentale vers un avenir neutre en émissions pour tous. Il est maintenant temps d’afficher la nouvelle orientation de la marque aux yeux du monde extérieur ».

 Jürgen Stackmann, membre du Directoire en charge des Ventes, du Marketing et du service Après-Vente

Le communiqué de presse précise également :

Le symbole et signe distinctif de cette transformation sera le nouveau logo, qui sera plus moderne, plus clair et plus simple. Il sera réduit à ses éléments essentiels et présenté avec un nouveau design bidimensionnel plus plat, qui permettra un usage plus flexible et sera extrêmement identifiable dans les médias numériques. Jusque-là, le logo était bleu et blanc. Une nouvelle teinte de bleu a été ajoutée, ce qui permet des variantes de couleur supplémentaires. Étant donné que l’application digitale aux interfaces simples et conviviales est devenue extrêmement importante, le logo sera dorénavant positionné de manière flexible avec le nouveau « cadre mobile ».

Que nous inspire leur nouvelle signature sonore ?

En plus de son identité visuelle, le sonore est repensé. Exit, l’approche neutre d’un nom cité ou en rupture avec l’approche « bruitiste » de certains de ses concurrents (on  se souvient de ce logo BMW « ancienne version » notamment), cette fois ci la musique est « Le » vecteur principal de l’émotion. Une base synthé (type moog) avec un motif musical proche de l’arpège. Peu de groove, mais une sonorité « eighties » presque new wav appuyée par une voix off féminine citant la marque en guise (dans un premier temps ?) de ponctuation finale.

Le parti pris est en rupture de la radicalité voir neutralité des créations précédentes. La féminité et la grammaire sonore utilisée va sans doute adoucir les contours peut être trop « carrés » du constructeur germanique concrétisant sans doute une volonté de reconquête d’un public dont un partie a sans doute en mémoire les récents déboires de la marque.

Reste à voir si Volkswagen va faire des émules au sein même de l’écosystème  automobile avec ce repositionnement. Affaire à suivre donc…

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VIISUALIIZER, UNE EXPÉRIENCE ONLINE INTÉRACTIVE

Le géant du streaming audio, ne cessera donc jamais de nous surprendre !

Avec le groupe Bon Iver, ils ont lancé cette plateforme dédiée, nommée « Viisualiizer« ; et où les internautes peuvent alors vivre une expérience online interactive.

Alors, pourquoi « Viisualiizer » ? Pourquoi pas simplement « Visualizer » ?
et bien, si vous ne le savez pas, c’est que vous n’avez pas encore écouté le nouvel album de Bon Iver ! Celui-ci s’appelle « i,i » et l’on y trouve des titres appelés « Yi », « iMi », ou encore « RABi ».

Bref, Spotify et le groupe ont donc exploré à fond l’esthétique de la lettre « i », pour offrir une plateforme interactive basée sur le « i », et permettant de voir les statistiques d’écoute en temps réel.

On ADORE !

Si vous voulez checker par vous même, c’est par ici

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En rachetant cette société, Hasbro récupère en même temps Death Row ainsi que tout le catalogue, contenant des titres de Snoop Dogg, Dr. Dre, 2Pac et d’autres artistes.

« L’achat de ces marques, qui sont extrêmement rentables et traduisibles en produits dérivés, est une occasion de croissance stratégique pour Hasbro »

Brian Goldner

Death Row Records compte plus de 50 millions d’albums écoulés qui ont rapporté près de 750 millions $. La société met la clé sous la porte en 2006, et est rachetée en janvier 2009 par WIDEawake Entertainment Group, Inc. pour 18 millions $ et c’est en 2013  que Entertainment One rachète les droits du catalogue de Death Row Records.

Brian Goldner, PDG d’Hasbro, a commenté l’achat d’eOne en ces termes: «L’acquisition d’eOne ajoute des marques familiales mondiales bien connues et basées sur l’histoire, qui génèrent de solides rendements opérationnels pour le portefeuille de Hasbro et fournissent un portefeuille de nouvelles créations fondées sur une narration axée sur la famille».

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Alors oui ! On sait que certains d’entre vous vont s’arracher pas mal de cheveux en lisant cet article… On risque de perdre quelques likes sur Facebook… Mais… Allez, on se lance !

Bon nombre de professionnels de l’industrie musicale se sont longtemps évertués à crier haut et fort que « Non ! Non ! Et non ! Nous ne pouvions comparer les artistes à des marques ».
En effet, si l’on place l’artiste au même rang qu’une marque, n’enlève-t-on pas le côté authentique de son art ? Comme si son succès était la seule affaire de son talent… D’ailleurs, il y a encore quelques années de ça, lorsque la vente physique de CDs battait son plein, il était très mal vu qu’un artiste s’associe à une marque…

Mais le streaming (et Internet) ayant tout emporté sur son passage, les mœurs ; les points de vue et les comportements ont peu à peu commencé à évoluer.

PETIT CHAMPS LEXICAL MARKETING

Aujourd’hui, on ne le répétera jamais assez mais, un artiste doit trouver son positionnement de mar…. Oups ! Son positionnement artistique, pardon.
En effet, il doit savoir quels sont ses « concurrents » (même si l’on ne parle pas vraiment de concurrence dans la musique) et comment se différencier d’eux.

Et alors, comment se différencier ? Oui ! Vous l’aurez compris. D’abord par la musique (évidement, faut pas pousser quand même) et ensuite par l’image.

Comme les marques, les artistes (ou leur label) doivent (se) construire une image pertinente et accrocheuse. On parle alors de branding. Ainsi, il faut définir de quelle manière on va s’adresser à son audience, ses cibles, quelle va être son identité visuelle (logo, pas logo), sa charte graphique, son univers, etc.

Si l’on en croit la définition de Wikipédia, le branding « doit permettre au consommateur de se repérer et de choisir les produits désignés […].
Dans cette démarche, peut-être identifiées trois fonctions principales du branding :

– La fonction dite transactionnelle : les marques doivent faciliter l’acte d’achat en réduisant l’incertitude du consommateur devant un choix à prendre parmi plusieurs marques. C’est pourquoi il est important de garantir la qualité du produit, son origine…
– La fonction dite relationnelle et identitaire : le consommateur construit ses projets et ses modes de vie à travers les marques des produits qu’il achète. En ce sens, la marque devient une projection du consommateur lui-même à travers des codes, un style ou une image qu’elles transmettent.
– La fonction aspirationnelle : Il s’agit de donner un sens particulier à la consommation au-delà des produits consommés. Apprécier une marque, ce n’est pas seulement apprécier ses produits mais également ses valeurs, son univers, ses prises de positions culturelles…

CAS PRATIQUE

Prenons par exemple les Beatles.
Il est évident que la qualité de leur musique n’est en rien remise en question ! Comme pour une marque, vous ne pouvez avoir de longévité sans un bon produit.

Mais les Beatles auraient-ils eu le même succès s’ils n’avaient pas croisé la route d’Epstein ? En effet, c’est ce dernier qui a construit la « marque Beatles », qui a marqué l’histoire de la musique. C’est lui qui les a persuadé de quitter les jeans/baskets pour des costumes. La même coupe de cheveux pour tout le monde ? C’est lui aussi.

Ainsi, en uniformisant les membres du groupe, ils les différenciaient des autres groupes de l’époque.
Malin le lynx (© LeLynx.fr).

Puis, les Beatles avaient (ont) aussi leur propre logo.
Reconnaissable parmi tant d’autres.

Les Beatles avaient aussi un ton. Une manière de s’exprimer qui leur était propre.
Très bons lors des conférences de presse, ils n’hésitaient pas à être drôles, effrontés et brillants à la fois. Ils avaient leur propre manière de répondre aux interviews.

La presse au groupe : Pourquoi pensez-vous que le public vous aime autant ?
Paul McCartney : On ne sait pas vraiment !
John Lennon : Si on le savait, on formerait un groupe et serions managers !

La presse au groupe : Quelle genre de fille aimez-vous ?
John : Ma femme.
Presse : Et vous ?
George : J’aime la femme de John.

Du coup, si on reprend les 3 fonctions principales du branding :

– La fonction transactionnelle : Même si là on ne parle pas vraiment d’acte d’achat (quoi que…), la qualité du produit (leur musique), son origine (l’Angleterre) étaient bien définies.
– La fonction relationnelle et identitaire : Les Beatles renvoyaient bien au public une image construite, des codes et un style (musical ou vestimentaire) particuliers, etc.
– La fonction aspirationnelle : Si vous demandiez aux fans de l’époque pourquoi ils étaient fans des Beatles, ils vous répondrez sûrement que leur musique était géniaaaaaallleee; mais également qu’ils adhéraient aux valeurs du groupe, à leur univers, etc.

D’ailleurs, c’est bien connu ! Il y avait à cette époque la team Beatles (les garçons espiègles venus d’Angleterre, jouant un rock plutôt sage) et la team Rolling Stones (symbole d’un rock outrancier et rebelle aux nombreux excès).

ALORS, MARQUE OU PAS MARQUE ?

Même s’il est clair qu’il serait fortement réducteur de rabaisser l’artiste à une simple marque, il n’est pourtant nécessaire de prendre conscience de l’enjeu qui se cache derrière cela.

En effet, dans une société basée sur l’image et où Internet et les nouvelles technologies ont démultiplié la possibilité aux artistes de s’exposer et de créer de la musique (merci ProTools, Ableton et LogicPro), il est important de savoir se différencier, sortir du lot en somme.

De plus, les labels et autres confrères de l’industrie musicale se trouvent être de plus en plus réticents à signer de jeunes pousses s’ils n’ont pas déjà : un positionnement, une image et une communauté. Ah ! Et oui, des chansons aussi…

Cela leur demanderait du temps. Et qui dit temps, dit argent.
Money, money, money
Must be funny
In the rich man’s world

Et, comme on n’est jamais sûr que cela va marcher, mieux vaut prendre ses précautions et signer des artistes où l’investissement sera moindre.

Ainsi, en tant qu’artiste, il ne faut pas voir cela comme « vendre son âme au diable » ou « dénaturer son art ». Mais au contraire, saisir cette occasion comme étant un moyen indispensable de se poser les bonnes questions sur son projet artistique.

Il ne s’agit pas de se travestir, mais de se découvrir. Nuance.
(larmichette de bonheur)

Regardez les Daft Punk par exemple.
Si l’on pouvait comparé leur stratégie marketing à celle d’une marque, ce serait celle du luxe. Avec cette fameuse phrase : « la rareté fait la valeur« .

Jay-Z, dans l’une des ses chansons, clame haut et fort : « I’m not a businessman; l’am a business, man! ». Et en effet, on se rend vite compte que le rappeur n’a pas acquis sa fortune (estimée tout de même à plus de 500 millions de dollars) juste avec sa musique.

C’est en diversifiant ses activités (qu’il présente comme étant des « extensions de sa personnalité » qu’il a pu acquérir une si coquette somme.

Donc voilà, en conclusion on peut dire que, oui, l’artiste peut être travaillé comme une marque. Et ce n’est pas un gros mot !

À bon entendeur, salut !
 
 
 
 

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A l’instar d’Instagram, Facebook et autres, Spotify souhaite lancer la fonctionnalité des Stories.
Celles-ci seront toutefois réservées aux artistes. Et ce, afin de connecter de manière plus directe ces derniers avec leurs fans.

STORYLINES

Baptisée Storylines, il s’agit, comme son nom l’indique, d’une fonctionnalité qui permet de créer des Stories.

L’idée est de donner la possibilité aux artistes de dévoiler les coulisses de leurs chansons, de parler de leurs inspirations, de leur quotidien ou autres.

C’est un certain Jane Manchun Wong qui aurait découvert cela en « regardant dans le code de l’application Spotify ».
Quelle ne fut pas sa surprise lorsqu’il y trouva une Story (encore inédite) de l’artiste Norvégienne Sigrid. Cette dernière se prête alors à une série de question/réponse par rapport à ses chansons préférés.

A découvrir ici

Affaire à suivre donc…
 
 
 

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Non ? Et bien, ça tombe bien ! Le SNEP (Syndicat National de l’Edition Phonographique) a publié récemment une étude sur les performances de la musique enregistrée, au 1er semestre 2019.

Voici ce qu’il y a retenir.

LE STREAMING, SOURCE DE CROISSANCE DU MARCHÉ DE LA MUSIQUE ENREGISTRÉE

On ne vous l’apprendra pas, mais le streaming continue d’avoir la cote. C’est d’ailleurs lui qui soutient la croissance significative du marché français.

À lui seul, il représente 175,3 millions d’euros ; soit 93% des revenus numérique (vs 89% au 1er semestre 2018). Ainsi, même si la vente physique baisse de -4%, le marché connait une croissance de +12,7% entre 2018 et 2019.

Il faut également retenir que les abonnements streaming audio sont désormais la source majeure de création de valeur du marché. À eux seuls, ils ont générés près de 80% du CA du streaming.

QU’EST CE QUI MARCHE EN FRANCE ?

Mais alors, du coup, qu’est ce qui marche en France ? Qu’est ce que les Français écoutent ?

À y regarder de plus près, on constate que les artistes francophones sont les plus populaires auprès du public au cours du 1er semestre 2019.

La jeune génération y côtoie en bonne place les artistes confirmés.

Et c’est l’urbain qui détrône la variété française, avec 95,2% de part des productions françaises contre 92%.

LA RADIO, PREMIÈRE SOURCE DE DÉCOUVERTE D’ARTISTES, DE TITRES OU D’ALBUMS

Même à l’heure du streaming et des playlists découvertes, c’est la radio et la télévision qui restent les premières sources pour découvrir de nouveaux artistes, titres ou albums.

Pour retrouver le reste de l’étude, c’est par ici
 
 
 

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