Avec la numérisation croissante dans tous les domaines de nos vies, l’audio a bénéficié d’un énorme coup de pouce. Plus que jamais, notre environnement auditif évolue et se façonne avec de vrais partis pris créatifs.

Avec comme devise « Make the world sound better » et pour la deuxième fois, l’Audio Branding Academy récompense et fait la promotion des meilleurs créations dans les domaines de la technologie du son et de la musique. L’objectif des prix est de mettre à l’honneur tous les acteurs de l’identité sonore au sens large du terme.

Le jury d’ISA2018 a été sélectionné; il sera composé d’un certain nombre d’acteurs reconnus dans le domaine du son. La diversité professionnelle des jurés reflète assez bien l’ampleur du contenu des ISA Awards. La technologie, les produits, la publicité, la communication, la recherche et la culture  sont des domaines dans lesquels la recherche de concepts forts et innovants est prégnante. C’est pourquoi l’Audio Branding Academy a lancé l’ISA l’an dernier pour attirer l’attention, et honorer les meilleures créations. La remise des prix aura lieu dans le cadre du Reeperbahn Festival le 20 septembre 2018 à Hambourg avec Steve Blame, icône de la télévision musicale, en guise d’ hôte de la soirée. 

Les participants peuvent soumettre leur travail afin de concourir aux « International Sound Awards » jusqu’au 31 mai 2018 . 

Pour envoyer vos créations, rendez vous ici

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PHILHARMONIE DE PARIS : UN GESTE SONORE INTEMPOREL POUR UN LIEU CULTUREL HORS NORMES

Dans le cadre d’une co-création inédite avec l’agence Sixième Son, c’est un véritable « geste » que l’agence a imaginé pour la communication de cet ouvrage architectural singulier dédié à toutes les musiques.

Hormis la qualité de cette identité sonore, il est important de souligner le caractère exceptionnel de cet évènement. En effet, c’est la 1ère fois qu’un établissement culturel se dote d’une identité sonore.

Inspiré par la raison d’être du lieu, la création laissera un souvenir sonore

Un « geste » sonore inspiré par l’architecture allégorique du lieu

Un jeu de textures pour laisser libre court à l’imaginaire et enrichir l’expérience

Transportés dans cet espace où lignes architecturales, partis-pris sonores et programmation culturelle forment un ensemble cohérent et harmonieux, les 1,2 millions de visiteurs annuels verront leur parcours enrichi par ces annonces en salle et dans les coursives.

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# L’EDS – Bonjour Alex et Domitille.
Merci d’avoir répondu présents à notre invitation.

Pouvez-vous en quelques mots vous présenter à nos lecteurs et nous raconter vos parcours respectifs et comment vous en êtes venu à vous rencontrer?

DOMITILLE – Bonjour.
Alors moi j’ai réalisé une formation en création industrielle et arts appliqués. Ensuite, je me suis réorientée vers l’information et la communication.
C’est dans ce cadre là que j’ai rencontré Alex, par le biais d’un stage à Télématin. Puis, lorsqu’il a eu l’idée de monter Start-Rec, il m’a proposé de développer la production. Voilà 15 ans qu’on développe la société ensemble.

ALEX – Bonjour.
Pour ma part, j’ai passé un DUG en science et structure de la matière (qui n’existe plus aujourd’hui). Toutefois, j’ai toujours fait de la musique en parallèle, avec cette envie de vouloir faire de la musique à l’image.
J’ai donc commencé par faire ça tout seul, avant de monter Start-Rec avec Gilles et Domitille.

# L’EDS – Depuis 2015 vous êtes l’agence de conseil en stratégie et production sonore du constructeur automobile français Citroën.
Parlons donc de stratégie marketing musical et sonore.

Lorsque l’on s’attarde sur les recettes publicitaires des médias français, on constate que le secteur Auto est le deuxième plus gros annonceurs. On imagine alors très bien le contexte concurrentiel qu’il y a derrière…

Comment la musique (synchro), le son (design sonore / logo sonore) peuvent-ils participer à la distinction d’une marque à une autre, dans un flot de prise de parole aussi dense ?

DOMITILLE – Notre travail a été de trouver des éléments différenciants des autres annonceurs dans l’Auto.
Avant ils parlaient tous d’une même voix sur des aspirations technologiques.
Conjointement à cela, il se trouve que Citroën s’est repositionné sur son image, en véhiculant une image plus lifestyle.Du coup on les a accompagné pour retranscrire de manière sonore ce que je pouvais être l’Humain dans ce secteur.

ALEX – Puis ce qui fait la différence aussi, c’est que nous sommes repartis de l’idée de départ qui est issue du mot « audiovisuel ». Dans « audiovisuel » le terme « audio » vient en premier. Donc la musique.

DOMITILLE – Le positionnement sur tout le son de Citroën est très fort. Tout est décidé en amont des créations.
Il fallait déconnecter la musique en tant que simple élément illustratif pour lui redonner une place en tant qu’élément marketing structurel et global; et ce sur toute la communication de la marque.
Nous avons construit le territoire sonore de la marque qui permet d’avoir un choix très cohérent musicalement et de ne plus avoir de disparité entre tels ou tels films. Ici, c’est le client qui est maitre de son image en étant au commande de ces choix là.

# L’EDS – Au niveau de la signature sonore.
Pouvez-vous nous remettre dans le contexte de la création et de ses objectifs ?

Vous avez choisi de faire émerger une voix dans cette création, là ou d’autres marques restent sur du sound design. Pourquoi ce choix ?

Là ou d’autres marques, restent sur une approche fonctionnel (bruit de métal, sound design) vous arrivez avec une approche plutôt musicale ? Là aussi pourquoi ce parti pris ?

ALEX – Il faut se dire que leur nouvelle signature « Inspired by you » remet les consommateurs au centre de la communication Citroen. Il était donc important de replacer l’Humain au centre de cette nouvelle signature sonore.

Ce qui a guidé toute la création.
Nous avons décidé de ne pas mettre de sound design mais une voix; et ce afin de différencier Citroën des autres constructeurs automobiles.

De plus, il faut savoir que ce qui est le plus fédérateur et le plus partagé de nos jours, ce sont les chansons. C’est pour cela que l’on a voulu écrire un vrai morceau, telle une chanson. Du coup, nous avons pensé et créé la signature sonore de Citroën dans sa longueur. Avec une aspect très humain, très dynamique et très joyfull.

DOMITILLE –– D’autre part, l’histoire de Citroën a toujours été parsemée de partenariat musicaux (julien Clerc, Alain Bashung, Grace Jones, etc.)

Historiquement, il y a toujours eu des associations iconiques entre la marque et des artistes. On a donc voulu recréer cela dans la nouvelle histoire musicale de Citroën.

# L’EDS – Vous avez donc redéfini l’ensemble de son territoire sonore et musical, en passant par la création d’une nouvelle signature sonore et en instaurant une stratégie de marketing musical fort (avec la collaboration avec de jeunes groupes français en développement, sur le long terme).

DOMITILLE –Alors oui, Citroën travaille avec des artistes français en devenir. Il y a eu un choix très fort d’accompagner la création française par Citroën.

Nous, notre rôle est de les accompagner sur ces choix, dans le territoire sonore défini avec eux.
Et c’est un véritable partenariat global gagnant-gagnant qui se crée là entre la marque et les artistes. La collaboration ne s’arrête pas seulement à une synchro pub. Il y a également des Lives et un vrai partenariat en 360°.

La marque se détache de l’image de jukebox musical (où l’on passe d’un artiste à l’autre, sans lien entre les musiques, ni les groupes). Et là, les artistes suivent le produit de son lancement presse à son lancement commercial. Cela laisse donc une période de 18 mois au groupe pour se structurer et mettre en place une démarche marketing conjointement au lancement marketing du véhicule.

# L’EDS – Donc si on résume bien, le titre choisi (d’un artiste en particulier) va suivre tout le lancement commercial d’un véhicule donné : de sa révélation publique et presse, à la sortie des spots publicitaires. Le titre va donc accompagner ce même véhicule pendant 18 mois sur plusieurs points de contacts donnés (aussi bien en virtuel, avec les spots TV, les films presse, etc. qu’en réel, avec les Lives).

DOMITILLE –Oui, c’est ça. Et ce qui est bien aussi c’est qu’une fois un partenariat engagé, certains deals peuvent se poursuivirent (ex. : Part Time Friends). Ce qui est un nouveau signal fort de la marque dans son engagement.

C3 – Part Time Friends – « Here We Are » (2017)

C3 – Part Time Friends – « Streets ans Stories » (2018) – Pub pas encore sortie

Pour prendre l’exemple de Part Time Friends, une fois la 1ère collaboration terminée, nous sommes repartis sur une autre collaboration de 18 mois pour une nouvelle campagne de plusieurs spots.
D’ailleurs, le nouveau titre utilisé est un titre de leur nouvel album. Il y a donc à nouveau une stratégie conjointe de lancement des deux projets, qui s’accompagnent et se nourrissent ensemble.

Enfin, il y a également la possibilité à certains groupes d’être activé dans d’autres pays.
Par exemple, l’année dernière, c’était le groupe Mehari qui avait été choisi pour une campagne Chine, avec des pubs TV et digitales ainsi que deux Lives sur place.

Parti Time Friends, dont la campagne était mondiale, avait pu se rendre au Japon pour un concert sur place. Ils en avaient profité pour tourner le clip « Street And Stories » sur place. Titre synchronisé sur la nouvelle campagne C3 depuis.

# L’EDS – Pourquoi Citroën n’ont-ils pas poussé la stratégie encore plus loin, en maximalisant la collaboration artiste-marque après le lancement du véhicule ?
En passant par des choses très basiques, comme par exemple la possibilité de faire gagner des places de concert du groupe ; et pourquoi pas essayer de pousser plus loin…

DOMITILLE –Avoir ce genre de partenariat est une vraie vitrine pour le groupe. Certains managers nous disent que cela a permis de faire gagner des années de développement au groupe, en terme de notoriété, de potentiel de négociation avec l’intérêt soudain de maisons de disque, de radios, etc.

Disons que Citroën donne l’input et c’est aux groupes de saisir l’opportunité…

# L’EDS – Au niveau de la collaboration avec de jeunes groupes en devenir, n’était-ce pas un pari risqué ?

Quand on regarde ce qu’il se passe sur le marché publicitaire (automobile ou pas), il est très rare que les annonceurs synchronisent des musiques peu/ou pas connues et qu’ils en fassent le fil conducteur de toute leur communication produit. D’habitude, on a plus l’habitude d’entendre des hits plus ou moins populaires, d’artistes plus ou moins en vogue.

DOMITILLE –Oui, totalement !
C’est un parti risqué pour la marque d’avoir une position crédible là-dedans et surtout, de l’assumer. Il est également difficile d’avoir le nez fin et de se positionner en tant que dénicheur de talents et, surtout, d’apporter une offre cohérente.

Heureusement, le Directeur Marketing Monde a une vraie vision de la marque et des groupes qui, musicalement, sont piles dans le positionnement de celle-ci.

À chaque fois, dans chaque partenariat, l’écriture de la bande son est profonde et réfléchie.

De plus, il y a aussi un bénéfice à travailler avec de jeunes artistes. Cela permet plus plus d’échange, de souplesse, d’implication dans la durée (les groupes confirmés n’ayant plus ce temps). Ce positionnement permet aussi de réduire les coûts sur d’aussi grosses campagnes. Dans un contexte ou les consommateurs souhaitent des marques plus responsables, c’est plutôt pertinent.

# L’EDS – Comment voyez-vous la suite de l’aventure avec Citroën ? Quelles sont les choses que vous aimeriez mettre en place encore ?

DOMITILLE –Citroën est une marque très inspirante ! Je pense qu’on a encore beaucoup de choses à faire avec eux. Et nous sommes très heureux de les accompagner; encore plus en ce moment, avec ce nouveau positionnement dont on se sent très proches.

ALEX –Moi j’aimerais bien que les groupes soient encore plus en amont dans la création. Par exemple, on pourrait faire une composition originale avec un groupe français déjà connu et validé par la marque. Ce serait une création sur mesure et de toute pièce.

L’effet miroir la dynamique qu’on a mis en place.

# L’EDS – Merci d’avoir pris le temps de répondre à nos questions !
À très vite.

Cet article Rencontre avec Alex Jaffray et Domitille Mahieux, en charge de la stratégie sonore Citroën est apparu en premier sur L'Écume des Sons.

Bonjour Vrej, peux-tu nous résumer ton parcours ?

Je suis diplômé du Celsa, option « Marketing et Publicité ».  Après quelques années dans le monde de l’édition littéraire et des cabinets de sémiologie et d’études qualitatives, j’ai été engagé par EMI Music en 1993 où j’ai passé 3-4 ans comme chef de produit (Charles Aznavour, Daniel Chenevez, Soon E MC, mais aussi le fond de catalogue, Edith Piaf, Charles Trenet, Mike Brant, Julien Clerc, …) ; j’ai ensuite poursuivi mon parcours au sein du label Epic chez Sony Music où j’occupais le poste de Directeur Marketing et Image au Catalogue Local. J’avais alors dans mon roster des artistes aussi variés que NTM, Pascal Obispo, Tété, Ridan, Benjamin Diamond, Patrick Fiori, Malia, La Grande Sophie, Pleymo…
En juin 2003, j’ai quitté Sony Music pour monter ma boite de conseils, Persona Non Grata. J’ai alors goûté pendant 7 ans les plaisirs de l’indépendance en travaillant uniquement sur des projets que j’aimais : le label IV My People de Kool Shen, Lickshot Entertainment (le management de JoeyStarr et du label BOSS, de Tété, Etienne de Crécy, Dax Rider, Matt, Lady Laistee…). J’ai commencé aussi à travailler en dehors de la musique : le jeu vidéo, le cinéma, les telco, l’internet et les mondes virtuels ; notamment le projet transmedia Black Mamba et la plateforme de streaming d’Orange, WorMee.
A la fin de ma mission sur WorMee, en juillet 2010, je suis entré chez Orange à la Direction de la Marque comme Music Brand Manager. En charge dans un premier temps de la création de l’identité sonore de la marque Orange, j’ai été amené à gérer, en transversal, pour l’ensemble du Groupe, tout ce qui touche à la musique, au son, aux voix que ce soit en publicité, en communication institutionnelle, en communication interne, … dans la relation client (centre d’appels, points de vente), ou bien encore dans l’expérience produit (sound design), etc.

Quel est ton job actuellement ?

Je suis à la Direction de la Marque au niveau du Corporate, en transverse entre la Direction de la Publicité et la Direction de l’Identité de la Marque. Je travaille aussi bien pour Orange France, qui est le navire amiral du Groupe, que pour les 24 filiales à l’international. J’interviens également sur les sujets musique pour Orange Business Service (Orange au service des entreprises), pour Orange Studio (la filiale cinéma), Orange Bank (la filiale banque), ou encore Parnasse (la filiale Haut de Gamme d’Orange). Mon périmètre est assez large : stratégie et identité de marque, recherche et recommandation musicale, négociations et contractualisations des synchros publicitaires en collaboration étroite avec une direction juridique dédiée, production musicale, édition musicale, conseils, propositions de solutions techniques pour les équipes de com’, mutualisation, programmation musicale, …
Ma mission véritable est finalement de remettre la musique au cœur de la marque en gardant toujours à l’esprit une quête de cohérence sur l’ensemble du Groupe tout en tenant compte des spécificités locales. Ce qui n’est pas toujours simple.
Il y a donc au préalable un gros travail de sensibilisation à la musique et à sa portée ; et plus largement d’ailleurs aux caractéristiques très particulières du son. Si on considère que le management d’une marque repose sur la gestion des émotions qu’elle suscite à travers son expression, on comprend rapidement l’importance de la musique qui reste justement le principal vecteur de nos émotions.
Concrètement, j’ai défini un territoire musical pour la marque Orange, des guidelines sur l’identité sonore qu’il a fallu produire, revu la gestion des synchros publicitaires pour Orange et Sosh, et plus globalement les process liés à la musique dans la publicité. J’ai également apporté à nos équipes de communication de nouveaux outils liés à la musique; j’ai constitué et animé une équipe d’experts pour la programmation d’un flux musical original dans les boutiques Orange, réactivé nos éditions Orange Editions, etc.
J’en ai fait quasiment autant pour Parnasse, Orange Bank, Orange Studio.

« Définir une identité sonore de marque ne se limite pas à un logo sonore mais surtout, et au préalable, à un territoire de marque. »

Peux-tu nous raconter l’histoire de la création de l’identité sonore d’Orange ? 

Orange a lancé une réflexion sur son identité sonore en 2011. Le challenge était d’imaginer une musique de marque qui pouvait non seulement se décliner avantageusement à travers le Groupe et les différents pays où Orange est implanté, mais aussi s’adapter à tous les besoins de l’entreprise qui sont multiples (signature sonore, musique d’attente, communication interne, externe, institutionnelle, sons fonctionnels, in-store music design, …). Car définir une identité sonore de marque ne se limite pas à un logo sonore mais surtout, et au préalable, à un territoire de marque.
En ce qui concerne le titre « Sudden Dreams » de Sophie Hunger, qui est aujourd’hui la musique officielle de la marque Orange depuis 2013, il est le résultat d’une consultation qui regroupait plusieurs artistes. Ces artistes ont été choisis en fonction de ce qu’ils créaient déjà pour eux. C’est-à-dire qu’avant de solliciter le moindre compositeur, nous avons essayé de définir par des mots ce qui nous semblait le mieux correspondre d’un point de vue musical et sonore à la perception que nous voulions pour la marque Orange et ce, en adéquation avec ses objectifs de branding. Et parler de musique n’est pas aisé. C’est là que certaines lectures nous ont été très utiles : Jankélévitch, Adorno, Sacks entre autres et dans des domaines différents ont été passionnants et riches d’enseignements. A partir de là, dans des registres musicaux différents, nous avons short-listés quelques artistes que nous considérions raccords avec ce que nous cherchions (Chassol, Whitest Boy Alive, Chloé, …). La proposition de Sophie Hunger s’est rapidement dégagée. La Direction de la Communication nous a donné le feu vert pour produire le titre et en extraire un logo sonore dans différentes versions ; puis, dans un deuxième temps nous avons sollicité d’autres artistes pour produire des arrangements du titre « Sudden Dreams » pour nos filiales et nos services. « Sudden Dreams » existe aujourd’hui en 12 versions : ouest-africaine, est-africaine, arabe, classique, électro, rock… plus celles que nous avons déclinées pour Orange Studio et Orange Bank.
Nous sommes producteur de tous ces enregistrements et éditeurs de l’œuvre. Au-delà des avantages en termes de cohérence et de gestion de la marque, ce process nous permet également d’économiser certaines dépenses liées à la musique et même de générer des revenus pour le plus grand bien de notre société d’édition Orange Editions.

A écouter ici :

Pourquoi avoir fait le choix de reconduire le titre jusqu’en 2019 plutôt qu’une nouvelle création ?

Une identité de marque, qu’elle soit visuelle ou sonore, nécessite du temps pour être perçue, identifiée, reconnue, mémorisée et appréciée. Par ailleurs, la diversité de nos points de contact et de nos moyens d’expression est telle que le déploiement d’une nouvelle identité sonore est longue et que cette fois, le temps devient notre meilleur allié. Toujours une question de temps finalement…
Par ailleurs, il y a des domaines un peu nouveaux, comme les SVI par exemple (Serveur Vocaux Interactifs), où il a fallu faire un travail extrêmement précis pour affiner au maximum nos messages. Dans ce cas précis, nous avons produit une version spécifique qui tenait compte dès la création de l’arrangement des contraintes techniques liées à l’écoute téléphonique. La qualité d’écoute sur un mobile est effectivement fortement dégradée. Tout le process de production a été guidé par ces spécificités, de l’orchestration au mastering en passant par le recording et le mix. Il faut savoir que le Groupe Orange gère plus d’1 milliard d’appels par an, ce qui donne un caractère particulièrement sensible à ce point de contact. Il fallait donc y apporter beaucoup de soin : le tester, le penser spécialement et l’affiner au mieux pour l’optimiser.
Il en va de même pour la publicité. C’est encore la souplesse qui a été notre leitmotiv : coller au plus près des spécificités locales tout en garantissant une cohérence globale à travers une identité sonore unique.
Après, le temps de déploiement dans un grand Groupe est toujours une donnée qu’il faut prendre en considération. Entre les acquisitions et les rebandrings, Orange est, depuis 2013, toujours en train de déployer son identité sonore…

« Un Music Brand Manager rattaché à la Direction de la Marque, cela signifie déjà qu’on a pris la mesure de l’importance de la musique dans la gestion d’une marque. »

Comment aborde-t-on le déploiement de l’identité d’une marque comme Orange présente sur plusieurs continents ?

Avec patience et pédagogie. Sensibiliser d’abord les équipes à l’importance du son et de la musique dans la gestion de la marque ; rappeler que la marque d’un grand Groupe est toujours en quête de cohérence. Etre toujours à l’écoute de nos filiales qui connaissent mieux que personne leur marché, leurs publics, leurs réseaux, leur territoire. C’est avec elles que nous devons trouver des solutions souples et homogènes pour l’ensemble de notre branding. Pour l’identité sonore, il a donc fallu les écouter avant de produire. Et pour produire les arrangements de « Sudden Dreams » destinés aux pays de la zone Afrique/Moyen-Orient par exemple, nous avons fait appel à des artistes africains et arabes. Le déploiement se fait ensuite à partir d’un matériel sonore mis à disposition des pays, accompagné de guidelines qui sont les mêmes pour tous.

Mehdi Haddab, auteur-compositeur-interprète, considéré comme un virtuose du oud.

 

« Je ne vois pas pourquoi les droits générés par la communication d’Orange profiteraient à un tiers. »

 En étant producteur et éditeur de l’œuvre,  ton rôle au sein d’Orange est au croisement de plusieurs enjeux économiques forts. Peux-tu nous décrypter ta stratégie à ce sujet ?

Il y a d’abord une approche patrimoniale. Nous enrichissons la marque avec une identité sonore. On peut donc parler d’actifs de marque. Aucune raison que les composants sonores de notre marque ne soient pas notre entière propriété. Entre autres avantages, cela confère une grande liberté d’utilisation, une souplesse, une agilité pour adapter nos leviers de communication en fonction de nos besoins et objectifs.
Ensuite, la musique génère des droits. Et je ne vois pas pourquoi les droits générés par la communication de d’Orange profiteraient à un tiers. Nous avons une société d’édition musicale, Orange Editions, utilisons-la. Toutes les musiques créées pour la communication d’Orange sont dorénavant éditées par Orange Editions. Bien sûr, les droits d’auteur sont scrupuleusement respectés. Tous les artistes, auteurs, compositeurs et arrangeurs qui ont collaboré avec Orange, que ce soit pour « Sudden Dreams » notre identité sonore, ou pour toute autre œuvre originale exploitée en publicité, ont vu leurs droits garantis.
Nous constituons ainsi petit à petit un catalogue éditorial. Nous avons quelques idées pour la suite qu’il est encore prématuré d’évoquer.

 Comment peut-on communiquer sur un réseau aussi fourni que le réseau Orange pour pérenniser le déploiement de cette stratégie ?

Déjà en créant ma fonction, qui est peu courante en France ou ailleurs. Un Music Brand Manager rattaché à la Direction de la Marque cela signifie déjà qu’on a pris la mesure de l’importance de la musique dans la gestion d’une marque. Ensuite en faisant de la musique un sujet récurrent dans toutes les réunions, séminaires et autres Comité Internationaux. Quel que soit l’angle, le sujet est abordé afin de montrer comment la musique est un sujet transversal pour une marque. Nos filiales sont sensibilisées régulièrement et je mesure l’impact de cette évangélisation par le nombre grandissant de sollicitations que je reçois.
Ensuite, pour la musique comme pour le reste, Orange a évidemment les outils adaptés pour déployer sa stratégie de marque à l’échelle du Groupe. Le Brand Site et les guidelines de marque sont bien sûr essentiels pour guider et aider les équipes à travers le monde. Nous ne comptons pas moins de 8 sujets musique par exemple.

« Charles Aznavour et NTM (…) savaient se piloter en tant que marques, ils savaient en jouer, ils savaient quels leviers activer, quels aspects atténuer, comment gérer cette entité abstraite en fonction des événements. »

Pourquoi certains autres annonceurs « institutionnels » disposant de point de vente ou de canaux de diffusion, ne franchissent pas le cap pour créer en interne une structure d’édition pour un meilleur R.O.I de leur création sonore ? Quelles sont les difficultés de ce choix au quotidien ?

La raison principale c’est que le business de la musique est très compliqué. Beaucoup d’acteurs différents, beaucoup d’intérêts divergents, beaucoup de sujets juridiques avec une chaîne de droits complexe,… Il faut venir de la musique pour voir immédiatement l’intérêt d’un grand Groupe à internaliser autant que possible le sujet musique. Et pas uniquement pour son identité sonore ! Pour la publicité, la relation client, …
Ensuite, il faut un ticket « Brand & Legal » qui marche à l’unisson sinon tu n’arrives à rien. Je travaille en duo avec Alexandra Fonsagrives de la Direction Juridique. Nous sommes en relation directe avec les ayants droits et c’est une bénédiction pour tous : Orange, maisons de disques, éditeurs, artistes, tout le monde s’en rejouit… Moins il y a d’intermédiaires mieux se portent les projets.
Les difficultés peuvent venir peut-être de la taille de notre entreprise, et encore… On y arrive car la Direction de la Marque et la Direction de la Communication sont nos meilleurs alliés pour faire avancer nos sujets.
Mon challenge est plutôt d’ordre pédagogique : m’assurer que chaque communiquant chez Orange ait les bons réflexes quand il a un sujet musique à traiter. Cela prend du temps mais on y arrive…

Tu as traversé le miroir en passant de la maison de disques Sony Music, EMI notamment, à l’annonceur. La stratégie de développement d’artiste et d’une marque ont-t-ils des points en commun ou des différences majeures ?

Beaucoup de points communs si on considère un Artiste comme une Marque. Une marque vivante et parfois imprévisible mais une marque quand même ; une marque qu’il s’agit de développer, renforcer, faire évoluer … En termes de positionnement, de personnalité, de mode d’expression, de cible, de moyens, il y a des similitudes même si, bien sûr, les choses sont bien moins formalisées dans un label… Mais on se pose un peu les mêmes questions. Malheureusement c’est encore au doigt mouillé en maisons de disques malgré la révolution digitale et les datas qui apportent bien des solutions pour mieux marketer la musique. Mais on y viendra tôt ou tard.
Ce qui m’a frappé quand j’étais en maisons de disques c’est que les artistes les plus forts étaient ceux qui avaient le mieux pris la mesure de leur « marque » justement. Alors, évidemment, ce n’était pas formalisé ainsi, c’était assez inconscient. Mais Charles Aznavour, Kool Shen et JoeyStarr avaient cela en commun : ils savaient parfaitement ce qu’ils incarnaient à travers « Aznavour » et « NTM ». Ils savaient se piloter en tant que marque, ils savaient en jouer, ils savaient quels leviers activer, quels aspects atténuer, comment gérer cette entité abstraite en fonction des événements, … Ils savaient même comme en abuser avantageusement parfois.
En termes de branding, la puissance d’un artiste est sans limite puisque les effets de sa musique procèdent d’une magie qui s’immisce dans nos vies, d’un charme irrationnel qui vient opérer au plus profond de chacun de nous de manière quasi-indélébile. Cela s’inscrit dans le temps, c’est rattaché à des moments de vie précis, c’est de l’émotion pure mise en mémoire de manière charnelle. C’est solide, pérenne, intense au point d’engendrer des générations de groupies. Aucune marque ne peut avoir un tel effet. Heureusement, non ?

Merci pour ta participation.

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Les circonstances de la rencontre 

C’est la publication d’un livre intitulé  « This is your brain on music, the science of a human obsession”  sorti en 2006 par le Professeur Daniel Levitin, et que le chanteur anglais a visiblement beaucoup apprécié, qui a permis la rencontre de ces deux personnalités.  Contacté par Sting, le Pr Daniel Levitin de l’université de McGill (Montréal) a profité d’un concert à Montréal pour lui proposer de soumettre à quelques exercices. Son cerveau serait alors connecté à l’impressionnante machine IRMF.

Secondé par son collègue le Pr Scott Grafton de l’Université de Californie à Santa Barbara, les deux scientifiques ont demandé à Sting de se prêter à une série d’exercices d’écoute et de composition musicale pendant qu’ils mesuraient son activité cérébrale.  Le résultat, pour le moins surprenant, a été publié dans la revue Neurocase.

Au programme : des expériences de composition d’écriture, d’écoute et de reproduction mentale de musique.

La première expérience était directement liée à la création musicale. On a demandé à l’ex-chanteur de Police de composer une fraction de compo originale, puis la mélodie dans un second temps, le rythme ensuite et de nouveau un rythme et une mélodie, le début d’une prose en concluant pour l’imagination d’une œuvre visuelle. L’objectif étant de comparer ces différents exercices à d’autres activités plus communes.

S’en est suivi une seconde expérience qui consistait à lui faire écouter 10 musiques connues (issues de  cette selection) pendant quelques secondes et de lui demander de la reproduire mentalement.

Pour finir, on a procédé à une « simple » séance d’écoute de titres issus de la précédente liste. L’objectif étant d’étudier les modes d’association du cerceau pour des musiques de genre différents.

« Ces techniques de pointe nous ont littéralement permis de cartographier l’organisation de la musique dans le cerveau de Sting »  Dr Levitin

Interprétations 

L’analyse des données IRMF de cette batterie de tests s’est faite avec des méthodes de classement ayant pour but de faire émerger des « schémas d’activation », c’est-à-dire des circuits mettant en connexion plusieurs groupes de neurones situés à des endroits différents et d’en trouver des ressemblances.

Ce fut le cas par exemple lorsque des schémas d’activation identiques se sont déclenchés pour des musiques à priori bien différentes, notamment pour le titre Libertango, de Piazzolla, et Girl, des Beatles.

https://www.youtube.com/watch?v=vaXNdVTGT0k

https://www.youtube.com/watch?v=HipPmQNgN3k

Lors de l’expérience de composition, les résultats ont fait ressortir  que la composition de la mélodie primait sur celle de la rythmique. Quant à l’exercice d’écoute, il n’a pas fait ressortir de différence fondamentale, entre l’écoute et la reproduction mentale d’une mélodie.

La conclusion à retenir également, c’est qu’il s’agit d’une expérience « isolée » par conséquent  qui nécessiterait des études en plus grand nombre pour commencer à pouvoir déceler l’immensité des trésors que le cerveau des artistes est capable de nous livrer.

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Cette semaine, place à une marque iconique à savoir Apple à travers ses musiques de pubs les plus emblématiques.

C’est parti pour 30 min de titres que vous reconnaîtrez forcement !

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Bonjour Olivier, merci de répondre à nos questions. Pour nos lecteurs qui ne te connaissent pas, en quoi consiste ton métier ?

Nous créons de la différence par le sonore. L’identité sonore est un actif émotionnel au profit de la marque. C’est un vecteur de préférence. Une arme de séduction massive.

L’identité sonore de marque et le design musical sont des disciplines qui consistent à singulariser l’expression de la marque par le medium sonore. C’est un vecteur puissant qui stimule l’imaginaire par le registre émotionnel. Notre travail consiste à créer un univers, un langage et une grammaire sonores propres à la marque afin qu’elle puisse exprimer sa singularité et sa différence aux oreilles du public. Elle laisse ainsi une empreinte sonore qui lui est spécifique et qui la différencie de ses concurrents. Cette empreinte fait entendre son image en créant des associations mais aussi elle génère de la mémorisation et de la présence à l’esprit.

Notre travail permet de développer un empire des signes sonores qui soit cohérent quel que soit le canal de diffusion que la marque va utiliser pour toucher ses clients. Il s’agit de créer une expérience positive afin de créer de la préférence de marque.

En clair, un univers musical et sonore est un amplificateur émotionnel de la personnalité de marque. Son rôle est de faire résonner toutes les valeurs de la marque à travers un système d’identification absolument unique. Il est décliné en formats, orchestrations, sons qui vont être adaptés à tous les points de contact. Une bonne identité sonore s’inscrit dans un programme complet laisse une empreinte forte et cohérente qu’elle qu’en soit sa forme.

Comme son nom ou son système de représentation visuelle, la marque dispose d’une part de voix. En clair, un logo sonore est le pendant d’un logo visuel. Ce puzzle identitaire composé du nom de la marque, de son logo visuel et de son logo sonore doivent former un ensemble cohérent. La cohérence est un vecteur puissant d’adhésion de ceux qui écoutent dans ce contexte.

De la même façon, nous dessinons des paysages sonores pour les marques. La discipline du design musical consiste à scénariser un espace en créant une ambiance et/ou un parcours sonore. Celui-ci se traduit par des playlists dont la ligne artistique doit être cohérente avec la marque et ses publics cibles. Mais aussi par des approches spécifiques que j’appellerais le merchandising sonore.

Nous faisons d’une certaine manière le même travail que des agences de design comme Carré Noir, Dragon Rouge ou Lonsdale… mais au niveau sonore.

« Le capital sonore de la marque n’est pas toujours cohérent car les multiples intervenants vont proposer des réponses qui sont souvent circonscrites à leur expertise sans qu’elles soient mises en perspective. »

Quel est l’état du marché en 2017 en France ?

Le marché est fragmenté. Si l’on se situe du point de vue des marques, on peut aisément imaginer que la discipline musique/sonore devrait faire l’objet d’une approche synchronisée pour que l’ensemble des signes sonores émis par celle-ci soit harmonieux. Malheureusement ce n’est pas souvent le cas.

Mon point de vue est que la marque transmet des musiques et des sons qui devraient faire partie d’une image sonore globale et qui peut être diversifiée tout en étant cohérente :

– Les signes sonores identitaires qui sont pérennes,
– La musique publicitaire et la communication qui sont conjoncturels,
– Les associations au monde de la musique (si celle-ci est légitime),
– Les sons des produits s’ils existent.

Il y a aujourd’hui très peu de personnes au niveau de la marque qui soit le gardien de cette cohérence.

Le marché est fragmenté :

– Agences de design musical;
– Producteurs musicaux;
– Maison de disque;
– Designer sonore produits;
– Éditeurs et labels internes aux agences de publicité;
– Compositeurs;
– …

Le capital sonore de la marque n’est du coup pas toujours cohérent car les multiples intervenants vont proposer des réponses qui sont souvent circonscrites à leur expertise sans qu’elles soient mises en perspective. Par exemple, une marque peut avoir une identité sonore téléphonique, une musique de publicité, et des sons de produits différents.

Toutes les études montrent que la cohérence est un vecteur d’adhésion (agrément) mais dans le domaine sonore, on peut l’oublier.

Il s’agit d’éviter la fragmentation (déjà amplifiée par la multiplication des points de contact) en se portant garant de l’intégrité sonore de la marque.

Tu as une approche parfois différente de tes confrères lorsque tu dis : ‘ok, la création d’une identité sonore est essentielle, mais attention  « au point de contact et au message ». Un jingle identique pour annoncer une bonne ou une mauvaise nouvelle peut parfois jouer des tours. Tu peux préciser ce concept ?

Mon point de vue est que chaque élément d’une identité sonore sert des objectifs spécifiques qui répondent à deux enjeux majeurs :

– L’image et la notoriété;
– La préférence.

On peut avoir un logo sonore dont le rendu est totalement en adéquation avec l’image de la marque pour transmettre un aspect « rupturiste », moderne, innovant d’un côté. Mais si on utilise ce logo pour faire des annonces, qu’elles soient positives ou négatives, on commet une erreur car l’expérience proposée n’est pas bonne.

C’est pour cela que je dis toujours à mes clients de penser global :

– Un univers musical et sonore donne le style, le ton et la couleur;
– Un logo sonore donne une évocation par des associations musicales;
– Une signalétique informe;
– …

Je suis favorable à ce que chaque action soit porteuse d’un message clair et signifiant.

Par conséquent, il est important de tester la réponse des publics avec des moyens appropriés afin de pouvoir optimiser la qualité de l’impact désiré.

« Ce qui est peu lisible pour les marques, c’est le nombre et la nature des intervenants, ainsi que les coûts qui modulent beaucoup. »

Penses-tu que ce marché arrivera un jour à maturité ? Ou l’est-il déjà, mais il est complètement hétérogène donc peu lisible ?

Le marché de l’identité sonore est en maturation constante. Il y a des méthodes, de l’expérience, des expertises et de plus en plus de métriques. C’est cependant un marché qui donne une grande part à l’intuition. Il est inégal car peu d’acteurs portent l’exigence au niveau de celle requise. C’est pour les annonceurs souvent difficile à appréhender. On est dans un monde de dominante visuelle dont on sait décrypter les signes. Mais dans le monde sonore, c’est une autre affaire.

Nous connaissons aussi de grandes avancées sur l’impact du son sur l’être humain dans le domaine des neurosciences.

Chez Brandy Sound, nous avons développé des outils et des méthodes – à travers le « sound planning © » – afin d’objectiver la relation au sonore. Pour aider nos clients à sortir du « J’aime, j’aime pas » et ainsi se porter garant de l’intégrité sonore de leur marque.

Les clients grands comptes savent à quoi cela sert car nous sommes quelques uns à avoir fait un grand travail d’évangélisation du marché. Avec la multiplication des points de contact, c’est un marché qui se développe et il y a encore beaucoup à faire.

Ce qui est peu lisible pour les marques, c’est le nombre et la nature des intervenants. Ainsi que les coûts qui modulent beaucoup. Il n’y a pas d’association du design musical qui permettrait de répondre à ces problèmes d’évangélisation et de normalisation du marché. Ce qui est le cas dans les autres secteurs de la communication.

Avec Sound Value, tu as développé beaucoup d’outils de R&D pour connaitre les impacts des choix musicaux de marque ? Ce marché ne manquerait-il pas d’indicateurs afin d’être enfin pris au sérieux par les marques ?

Oui je suis complètement d’accord. C’est un marché qui est très verrouillé notamment pour la publicité car les montant des droits et les enjeux financiers sont élevés.

Mais les marques comprennent que la musique est un vecteur de préférence puissant, et elles font de plus en plus attention à cela. C’est environ 10% du budget d’un film pour 50% de l’impact. On pourrait d’ailleurs faire le même ratio sur les investissements en communication où le ratio tombe à environ 4% du budget global pour les grands comptes. Le son, comme la musique, a  été le parent pauvre de ce secteur.

Mais je pense que les choses vont évoluer car le sonore est un medium beaucoup plus malléable dans les points de contact dématérialisés. Et avec l’avènement du numérique, nous aurons de plus en plus de PodCast. Dans celui des objets connectés, de plus en plus de sound design. Et pour l’intelligence artificielle de plus en plus d’interfaces vocales.

Il est indispensable de pouvoir développer des outils d’évaluation de l’impact de la musique sur des critères avérés et prouvés scientifiquement avec des méthodes évitant tous biais ou toute interprétation erronée.

Je pense que les critères de la saturation et de la cohérence vont être les deux sujets auxquels il faudra prêter une attention toute particulière à l’avenir.

Aujourd’hui, de nombreuses agences voient le jour sur le territoire national, chacune a une approche marketée, comment aider un décideur (Marketing ou Communication) à faire le bon choix ?

Là encore, le seul sujet est la qualité des produits et services proposés. Des réponses éprouvées et validées. Des KPI et des exemples qui montrent les clefs de la réussite d’une bonne identité sonore.

La qualité de la relation que nous entretenons avec nos clients est aussi un vecteur très important aujourd’hui. Car c’est aussi la qualité de la relation qu’une marque entretient avec ses publics qui est un vecteur central de préférence et non seulement le statut qu’elle lui confère.

C’est par conséquent un mix entre expertise, qualité de service, la qualité de relation et le juste prix.

Il faut aussi donner la possibilité à nos clients d’aller au delà du vernis des arguments convenus pour tester la véritable expertise de son interlocuteur. Une double expertise de la marque et du son.

Il semblerait que tu aies posé tes valises du côté des studios Ferber, peux-tu nous en dire plus ?

Oui, j’ai la chance d’être aussi résident au studio Ferber. C’est un rêve qui se réalise. Je suis musicien percussionniste et il est vrai que toutes ces années, j’ai beaucoup travailler pour les marques. Puis pour les marques et la musique.

J’avais besoin d’avoir mon propre cocon de création pour y créer et produire de nouveaux projets artistiques. Afin de préserver la fraîcheur nécessaire et la créativité propre à mon métier.

Actuellement, je finis la réalisation d’un conte musical pour enfants.

Merci Olivier pour ta participation.

Cet article Rencontre avec Olivier Covo qui nous parle d’identités sonores et de marques. est apparu en premier sur L'Écume des Sons.

Associé au CNRS, ce centre de recherche est présent dans de nombreux champs d’application tel que la création musicale, le spectacle vivant, le jeu vidéo, la postproduction, le design sonore et abrite l’endroit le plus silencieux au monde.

Autant d’intérêts pour les entreprises (Renault par exemple qui va y concevoir le son de la voiture du futur) qui collaborent fréquemment à la création de nouveaux logiciels liés aux nombreux applicatifs de traitement sonores (voix, acoustiques etc..)

Fraîchement quadragénaire, l’IRCAM incarne plus que jamais le passé (proche), le présent, mais surtout le futur des applications sonores.

A l’occasion de son 40ème anniversaire, l’institution lance deux événements le 15 mars pour mieux se faire connaître.

40 ans d’IRCAM en une conférence :

Cet article L’IRCAM a 40 ans! Histoire d’un lieu qui a révolutionné le son est apparu en premier sur L'Écume des Sons.

Bonjour, Karim, depuis Run DMC qui avait signé « My Adidas », le rap a toujours été proche des marques. En France, dans quelle mesure le hip-hop français a-t-il été lui aussi concerné ?

Le Rap et la culture hip-hop ont toujours véhiculé des choses qui plaisent aux marques : énergie, nouveauté, contre-culture, insolence… Aujourd’hui la culture hip-hop au sens large du terme est sans conteste la culture dominante.

Pourquoi certaines marques,  comme Lacoste avec Ärsenik, refusaient-t-elles la publicité faite par les rappeurs ? Était-ce une posture ?

Pour des raisons de positionnement, principalement. Peur de perdre une partie de leurs clients sans être sûr d’en acquérir de nouveaux sur une nouvelle cible ou sur un public plus large. Les marques ont pour la plupart des politiques de long terme donc ces éventuelles ‘turbulences’ ponctuelles peuvent leur faire peur. Après je dirais que « petit à petit l’oiseau fait son nid ».  Lacoste aujourd’hui utilise la musique « The Message » de Grandmaster Flash pour ses pubs diffusées à la télé…
Les mentalités évoluent donc et les bonnes idées peuvent faire leur chemin même si cela prend du temps. Pour les gens qui aiment le Hip-Hop et comprennent cette culture, certaines choses peuvent paraître évidentes parce qu’on a la connaissance, on en maîtrise les codes, etc… Il faut réaliser que pour certaines marques ce n’est pas aussi évident que pour nous, elles peuvent parfois « flipper ».

https://www.youtube.com/watch?v=uOWi23P4auU

À une époque, les rappeurs (Joey Starr, Sully Sefil, Koolshen) avaient besoin de créer leurs marques (souvent de street-wear). D’ailleurs, c’est encore le cas avec Booba et Unküt aujourd’hui. Selon toi est-ce vraiment générateur de chiffres d’affaires ou juste une question d’image ?

Les deux, car c’est un business à part entière. Il faut voir cela dans son ensemble car profiter de son développement et de son rayonnement est une bonne chose. Un artiste de niche qui vend 2 ou 3.000 tee-shirts chaque année génère de quoi produire ses disques et clips. Le plus dur est de durer, et ce n’est pas toujours évident pour des artistes de se projeter à 3, 5 ou 10 ans. Or, se lancer dans le street-wear pour durer, c’est réfléchir au moins à moyen terme, et pour cela, il faut vraiment avoir un esprit entrepreneurial, savoir s’associer avec les bonnes personnes, se prendre la tête sur les créations, le marketing, la logistique et la distribution… Si on devait faire un bilan aujourd’hui, peu de marques ont duré, surtout parmi les toutes premières.
Il y a pourtant eu d’énormes succès comme Royal Wear, 2 High… Une des premières marques qui a presque réussi à passer du street-wear à une marque de vêtement mainstream est Com8. Mais si tu rencontres un succès ‘grand public’, ton offre peut perdre un peu de son essence hip-hop.  C’est pourtant le fruit du succès et il faut l’accepter et surtout l’anticiper.
En revanche, la marque Unküt qui pour moi,  et pour tout le monde je pense, est pour différentes raisons la plus belle réussite d’une marque lancée par un artiste.  Les collections d’aujourd’hui n’ont rien à voir avec les premiers modèles, elle a su se renouveler, suivre les tendances, proposer diverses gammes de produits hip-hop et plus grand public, prendre des risques, avoir une stratégie cohérente… Par exemple, dans chaque clip de Booba il y a des placements de produits Unküt que tu peux retrouver sur des sites de VPC, c’est une machine très bien huilée.

Toi qui a conseillé de nombreux rappeurs, comment abordais-tu, le rapport marques/artistes ?

Certains artistes peuvent voir les marques comme des banques, tout comme les marques qui oublient que les artistes sont des artistes, des personnes… La marque doit comprendre qui est l’artiste, savoir quelle est son histoire, respecter son identité. L’artiste, lui, doit comprendre qu’à partir du moment où il accepte de collaborer avec une marque et qu’il touche en plus une rémunération, il a des obligations professionnelles. Arriver à un bon partenariat entre un artiste et une marque peut être le résultat d’une somme de compromis. Ce n’est pas toujours facile. Si tout ceci semble aisé à comprendre aujourd’hui, qu’il s’agit de quelque chose de courant même, il faut se dire qu’il y a encore 10 ans, des gens qui sont à présent de grands patrons de labels ou de majors disaient qu’ils ne mettraient jamais leurs artistes dans des téléphones… C’est un discours que l’on m’a par exemple tenu quand j’ai monté un partenariat entre 113 (à l’époque de l’album « 113 Degrés ») et Sony Ericsson quand ces derniers ont lancé le premier Walkman Mobile qui s’appelait le W550 je crois. Et ce n’est pas une question de capacité intellectuelle ou d’intelligence, c’est plus de l’ordre de la compréhension,  ou seulement d’ être à l’aise avec l’idée d’associer une marque à un artiste, et d’arriver à se projeter… N’oublions pas qu’en France, nous sommes très conservateurs, on n’aime pas le changement, et je m’inclus dans cette critique.

Quel est pour toi le placement de produits le plus réussi du hip-hop français ?

La première association qui me vient à l’esprit, c’est naturellement Adidas et Run DMC. En France, je dirais Wati B, la marque a servi le groupe Sexion d’Assaut et réciproquement.

https://www.youtube.com/watch?v=JNua1lFDuDI

Quel est pour toi le placement de produits qui t’a le plus surpris ?

Franck Provost dans le clip « Memories » de David Guetta. J’ai trouvé cela déroutant, mais pourquoi pas…

A partir de 1m14 :

https://www.youtube.com/watch?v=NUVCQXMUVnI

Aujourd’hui, les ventes de disques sont à la baisse, le streaming semble peu rémunérateur, les marques, la scène et la synchro ne sont-ils  pas les derniers leviers générateurs de revenus pour les musiciens ?

Les ventes de disques sont en baisse mais non, le streaming n’est pas peu rémunérateur. Il faut oublier les tableaux et articles qui ont été publiés ces deux dernières années, les données brutes sont toujours facilement manipulables pour faire passer l’idée que l’on veut défendre. C’est sûr que si l’on prend le taux de rémunération à l’écoute unitaire, ça fait peur.
C’est comme la radio : un passage sur une antenne nationale est très rémunérateur de par sa grosse audience mais si on divise ce montant par les centaines de milliers d’auditeurs, on n’est pas loin des chiffres du streaming.  Ce qu’il faut voir, c’est l’utilisation de ces nouveaux outils, la démocratisation ou le développement de nouvelles sources de revenus comme la synchro (utilisation de musique pour des publicités, pour des films…)  permettant d’avoir une vision plus transversale du métier.
L’époque où musique signifiait uniquement vendre des disques ou faire des concerts est loin maintenant.

Merci Karim pour ta participation!

Cet article Rencontre avec Karim Thiam qui nous parle de rap, de marques et plus encore… est apparu en premier sur L'Écume des Sons.

N°1 :  Steve Miller Band : « The Joker »

L’open space

En pleine ambiance trading, un biker débarque de l’ascenseur au guidon de son Harley, pour venir chercher sa petite amie, une working girl qui jongle entre plusieurs coups de fil. N’ayant pas l’Outfit rêvé pour rider, il lui jette un Jean Levi’s qu’elle enfile en plein open space, avant de reprendre l’ascenseur et dévorer l’asphalte.

On imagine mal vivre cette scène aujourd’hui, la moto ne passant sûrement pas le portique détecteur de métaux.

https://www.youtube.com/watch?v=rv5bN7WgaY4

N° 2 : T-Rex : « 20th Century Boy »

Le maton me guette

La scène se situe dans une prison située en plein désert. Le détenu est libéré, mais un membre malveillant de la maison pénitentiaire ne lui rend comme simple effet personnel, que son appareil photo argentique.

Libre et en caleçon, un mannequin débarque en cabriolet en lui jetant un jean, qu’il endosse, en s’empressant de faire un shooting “sauvage” avant d’offrir l’appareil chargé de sa session, au maton récalcitrant.

https://www.youtube.com/watch?v=5Ey4tB2ex9Y

N° 3 :  The Ronettes : « Be My Baby »

La dépanneuse

En panne sur le bord d’une autoroute américaine, un couple visiblement bien sous tous rapports, voit débarquer un dépanneur torse nu sous sa veste.

Ayant également oublié sa barre de remorquage, il décide donc d’ôter son jean pour treuiller le véhicule défectueux, sans succès malheureusement…

https://www.youtube.com/watch?v=zaqcthqw5Tg

N°2  : The Clash : « Should I Stay or Should I Go »

La couleur de l’argent

Dans une salle de billard un jeune homme sans un sous, prend le pari de perdre son jean Levi’s en cas de défaite. Grâce à une belle technique, il arrive à gagner haut la main, et décide à son tour de renoncer à l’argent mais préfère voir le perdant tomber le bas.

https://www.youtube.com/watch?v=gN4fkh-NHLc

N° 1 : Marvin Gaye : « I hearded to the Grapp Vine » (Cover)

Le lavomatic

Dans une laverie bondée, un jeune décide de laver à la pierre ponce, son Jean (et son tee-shirt), devant le regard mi effarouché, mi contemplatif de l’assistance.

https://www.youtube.com/watch?v=wT4DR_ae_4o

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Plateforme mêlant musique et mathématiques, ce nouvel outil cofondé par André Manoukian & Yacin Bahi, permet la composition de musiques à la demande pour les entreprises.
André Manoukian passe donc du clavier Maître au clavier informatique.
« La musique est un exercice caché d’arithmétique tel que l’esprit ignore qu’il compte » (Leibnitz, 1712). Pendant très longtemps, la musique fut considérée comme une science au même titre que l’astronomie ou la géométrie. Des grands compositeurs comme Bach réalisaient des algorithmes et les donnaient ensuite à leurs élèves.
C’est sans doute de ces postulats que sont partis les deux associés afin de créer une plateforme proposant une technologie disruptive de composition et de génération automatique de musique. L’idée est née du besoin d’enrichir tous les contenus crées et destinés aux plateformes comme Facebook ou Youtube (estimée à 500 heures de vidéos téléchargées toutes les minutes !)

Dans la pratique, cela se traduit par une application (hébergée dans le Cloud) qui permet d’assembler, couper, étendre une sélection de morceaux prêts à l’emploi et qui pourront ainsi se caler efficacement à l’image, le tout accompagné de la licence d’utilisation adaptée.

iMuze en démo :

https://www.youtube.com/watch?v=nNHXlROAgdk

Cette start-up propose aujourd’hui de générer plus de 100 000 mélodies originales par jour, sans droits d’auteur et à coûts contrôlables.

D’après Yacin Bahi, les premiers partenariats stratégiques avec des acteurs de premier plan ont d’ores et déjà été conclus.

Reste à savoir si la mathématique implacable du business sera cette fois ci aussi au rendez-vous…

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Or, Diamant, Platine, qu’est-ce qu’une certification ?

Un disque de certification est une récompense remise à un artiste pour souligner qu’un album musical ou un single s’est vendu à un certain nombre d’exemplaires. Depuis leurs créations, ces certifications ont été déclinées selon différents seuils (Or, Diamant, Platine ) en fonction des quantités de vente atteintes.

Dans les années 1950, les maisons de disques ont commencé à décerner différentes récompenses pour souligner les ventes de leurs artistes respectifs. Le terme Disque d’Or commence dès lors à apparaître dans la presse. Afin d’homogénéiser les seuils d’attribution et de réguler les abus, les associations représentant l’industrie du disque mettent en place un cadre officiel pour la remise de ces récompenses. C’est en 1973 qu’un cadre fut posé pour la remise de récompense.

Mode d’emploi :

Aujourd’hui en France les différentes certifications pour les albums s’établissent comme suit :

Disque d’Or (50 000 exemplaires vendus)

Disque de Platine (100 000 exemplaires)

Disque de Diamant (500 000 exemplaires)

Le site Panels Culture du groupe GFK permet de connaître l’état des ventes au détail d’un disque, semaine par semaine. Mais la certification porte également sur les ventes de disques entre la maison de disques et les grossistes et distributeurs. Cela prend donc en compte les chiffres des mises en bac.  Une grosse mise en place permet donc une certification assurée, même si la vente effective ne sera finalisée que plus tard.

Qui sont les gardiens du « temple » en France ?

En France, les récompenses sont certifiées par le Syndicat National de l’Edition Phonographique (SNEP) et l’Union des Producteur Phonographique Français Indépendants (UPFI).

Comment sont intégrés nos nouveaux modes de « consommation » de la musique?

La chute des ventes de disques mais pas du nombre d’écoutes  ont obligé le SNEP  et l’UPFI  à adapter les certifications à ces nouvelles réalités.

Le chiffre pour obtenir un Disque d’Or Album a été divisé par deux entre 1973 et aujourd’hui. Quant au Disque d’Or « Single », il  a fondu comme neige au soleil, passant  de 500 000 à 75 000 sur la même période.

Outre le téléchargement déjà intégré, le streaming a fait son apparition cette année dans le comptage des ventes d’album. En effet le classement des meilleures ventes prend en compte désormais les écoutes des titres (les albums stréamés étant convertis en « équivalents ventes » moyennant une pondération).

Rendez-vous en 2018 pour connaitre d’éventuelles nouvelles modifications d’un marché en constante évolution.

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