Cette étude a été réalisée en avril-mai 2019 auprès de 34 000 personnes,venant de plusieurs pays dans le monde (Argentine, Australie, Brésil, Canada, France, Allemagne, Italie, Japon, Mexique, Pays-bas, Nouvelle-Zélande, Pologne, Russie, Afrique du Sud, Corée du Sud, Espagne, Suède, Royaume-Uni et Etats-Unis).

Voici ce qu’il faut retenir :
 

Le streaming, un usage populaire dans le monde entier

89% des personnes interrogées écoutent de la musique en streaming à la demande.

La durée hebdomadaire d’écoute de musique a d’ailleurs augmentée.
Aujourd’hui, elle est de 18H. Soit une durée d’écoute quotidienne supérieure à 2,6H.

De plus, aujourd’hui, le streaming séduit toutes les générations de consommateurs de musique.

Des auditeurs passionnés de musique

Aujourd’hui plus de la moitié (54%) des personnes interrogées prétendent être des passionnés de musique. Même si cette attachement est plus fort chez les 16-24 ans (63%).

‘Les fans les plus impliqués cherchent à écouter, partager et interagir avec la musique dans leur vie quotidienne, que ce soit à travers les nouvelles technologies, les réseaux sociaux, les concerts ou de toute autre manière possible’.

Les genres musicaux préférés dans le monde

Contrairement à ce que l’on pourrait le croire, c’est la pop qui reste le style musical le plus apprécié dans le monde.

Vient ensuite le rock, les « Golds » (chansons à succès) et le hip-hop/rap.
La dance et l’electro ne viennent qu’en 5ème position.

 
Pour retrouver l’étude complète, c’est par ici

Cet article Panorama de la consommation de musique dans le monde est apparu en premier sur L'Écume des Sons.

Et ce qu’il faut retenir c’est que, en 2018, le marché mondial de la musique enregistrée a affiché une hausse de 9,7%, pour la 4ème année consécutive. C’est la progression la plus forte depuis que l’IFPI a commencé à produire des données internationales.
 

Les chiffres 2018, par mode d’exploitation

Sans grande surprise, on y apprend que cette croissance est principalement portée par la hausse des revenus du streaming par abonnement; représentant à lui seul 37% du chiffre d’affaires mondial.

Les droits voisins, c’est à dire tous les revenus issus de l’utilisation de la musique enregistrée par les radiodiffuseurs et la sonorisation des lieux publics, ont quant à eux progressé de 9,8% en 2018; représentant alors 14% du revenu total de l’industrie musicale.

La synchro, donc les revenus issus de l’utilisation de la musique dans la publicité, le cinéma, les jeux et les programmes de télévision ont augmenté de 5,2% (soit une progression plus modeste que l’an dernier (+14,6%), même s’ils conservent une part de 2,3% du chiffre d’affaires total).

Les chiffres 2018, par région

Au Top 10 du classement mondial, certains des marchés ayant connu la plus forte progression se trouvent en Asie et en Amérique Latinée (Corée du Sud, Chine et Brésil): l’Asie devenant pour la 1ère fois, la seconde région la plus importante pour la musique enregistrée physique et numérique combinés.

Affichant une croissance de 11,7%,l’Asie et l’Australasie sont devenues la 2ème plus importante région mondiale.

L’Amérique Latine, elle, a connu l’un des plus forts taux de progression à l’échelle mondiale (+16,8%).

Ensuite vient l’Amérique du Nord, avec une nouvelle année de croissance (+14,2%), même si ce taux est légèrement inférieur à celui de 2017.

En hausse de seulement 0,1%, le marché européen affiche une progression modeste. De plus, on constate des disparités significatives selon les pays de la région.
 

La musique n’a plus de frontière

La musique est devenue plus que jamais universelle.
Aujourd’hui, la langue chantée n’est plus un obstacle pour conquérir le public au-delà de ses propres frontières.

Les niveaux d’investissement toujours plus élevés des maisons de disques, conjugués au déploiement géographique des infrastructures de notre industrie sont le moteur de cette dynamique de développement des nouveaux marchés.

Acteurs de cet essor, les labels mettent la musique de leurs artistes à la disposition d’un public toujours plus large et complètement international, en même temps que les fans ont eux, un accès de plus en plus varié et exhaustif à l’ensemble d’un répertoire produit dans le monde entier.

Associée à l’essor du streaming par nature sans frontière, l’approche de plus en plus globale des projets artistiques par les labels à apporté une impulsion totalement nouvelle à la carrière internationale des artistes.

Le cas Aya Nakamura

Aya Nakamura, signée chez Warner Music France, est un parfait exemple de ces talents qui explosent dans leur pays et entament simultanément une carrière internationale.

Thierry Chassagne, Président de Warner Music France, raconte que le développement de la notoriété d’Aka Aya Nakamura allait de pair avec leur stratégie de création d’une base de fans au sein de la communauté de l’artiste, l’amenant dans un 1er temps à la célébrité en France, pour ensuite partir à la conquête des pays où le buzz s’intensifiait.

Et, c’est avec l’aide de leurs affiliés (qui connaissent très bien leurs médias, leurs influenceurs…) qui les ont guidé vers les partenariats les plus intéressants, que Warner Music France a eu la capacité de donner une résonance internationale à ce projet.

La valeur ajoutée des labels

L’une des conséquences de la croissance retrouvée ces dernières années a été le niveau soutenu des investissements des maisons de disques, tant auprès des artistes que de leurs équipes et dans leur engagement dans le monde entier. Elles ont investi plus d’un tiers de leur chiffre d’affaires annule (5,8 milliards US $) en Artistique et Répertoire (A&R) ainsi qu’en marketing, pour faire émerger, développer et accompagner les artistes.

Les investissements ont non seulement permis aux maisons de disques de faire évoluer leurs organisations et d’étendre leur présence internationale, mais aussi de donner plus de moyens aux équipes dynamiques et passionnées qui constituent le socle de l’industrie musicale.

Un autre des enjeux d’aujourd’hui, mais surtout de demain, est la vision stratégique dans la conclusion des partenariats avec les marques. Les labels sont en mesure de concevoir et proposer des solutions de développement de carrière, aussi bien aux artistes émergents qu’aux stars internationales.

Ces partenariats là ont évolué, passant de contrats ponctuels à des associations désormais sur le long terme, générant un bénéfice d’image tant pour les artistes que pour les marques.

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Aujourd’hui, les possibilités de produire et de « consommer » de la musique sont plus nombreuses que jamais.

L’apport d’un label à ses artistes se concentre autour de 3 activités principales :

• Découvrir et soutenir les talents en les aidant à exprimer le meilleur d’eux-mêmes ;
• Produire le travail des artistes dans la musique bien sûr, mais également dans leurs points de contact au public (vidéo, site, image, produits dérivés etc…);
• Promouvoir les artistes en leur permettant de rencontrer leur public.

Pour vous aider à décrypter les tendances du marché, voici les chiffres clés du rapport annuel édité par la Fédération Internationale de l’Industrie Phonographique*.

L’investissement des labels :

4.5 Milliards de $ d’investissement annuel pour les projets artistiques et le marketing en 2015 dont 27% de la part du CA de la musique enregistrée est investi en deux postes de dépenses majeurs :

. L’ « A&R » (Artistique et Répertoire), l’équivalent du processus de « recherche et développement » en matière artistique avec 2.8 Milliards de $ par an

En savoir plus :

La capacité à dénicher les talents de demain et les aider à émerger est un des rôles clefs des labels à l’heure actuelle. Activité hautement stratégique mais également risquée.

En effet, aucun chiffre n’est disponible à ce sujet, mais certains labels estiment de 1 à 5 le rapport au réussite d’un nouvel artiste « lancé », quand d’autres producteurs sont moins enthousiastes s’auto conférant seulement 10 % de chance de rencontrer le succès commercial.

À noter : les artistes signés depuis moins de 12 mois représentent 21 % des contrats actifs. (On peut ainsi se rendre compte de l’importance d’agir vite lorsqu’on croit au potentiel d’un artiste).

. Le Marketing et les campagnes de promo qui constituent 1.7 milliard de $ par an

À l’Écume des Sons, nous pensons que les artistes aussi sont des marques.

Un seul exemple ? Justin Bieber. Telle une multinationale, sa maison de disques a renforcé sa présence monde en constituant une équipe de 1500 spécialistes en Marketing pour promouvoir son dernier album intitulé Purpose.

Combien coûte le lancement d’un artiste fraichement signé ?

Voici les postes de dépenses pour un artiste émergeant :

Rappelons que les chiffres cités sont liés à des marchés de plus grandes ampleurs que la France. Rappelons également qu’en aucun cas, ces investissements sont signes de succès garanti…

En savoir plus  :

Les Avances : (entre 50,000$ & 350,000$)

Les avances donnent aux artistes les moyens de travailler sur les créations. Récupérable sur les royalties à venir, cette somme d’argent n’est, en principe,  pas remboursable.

Les Frais d’enregistrement : (entre 150,000$ & 500,000$)

Cette somme varie en fonction de la musique produite (besoin en musiciens, producteurs, arrangeurs) ;

La Production d’un clip : (entre 25,000 & 300,000$)

Aujourd’hui chaque production est accompagnée d’une vidéo. Mais là aussi, à l’instar de la production sonore, le delta peut se révéler abyssale.

 Le Soutien à la tournée : (entre 50,000$ & 150,000$)

L’allongement de la durée d’exploitation des enregistrements a conduit les artistes à enchainer les dates afin de continuer la promo de leur sortie (EP-Album).

Un peu de recul sur le streaming :

L’arrivée du Streaming a changé la donne avec son lot de menaces et d’opportunités. Côté positif, le streaming permet une exploitation plus longue d’un titre. En revanche, pour maintenir cette haute rotation, des actions marketing sont nécessaires.

Idem,  les revenus générés par le streaming sont nettement amoindris pour les artistes. Concernant les maisons de disques, les rentrées  nécessitent 1/3 de temps supplémentaires aux revenus physiques ou celles liées au téléchargement des œuvres sur les plateformes pour être générer.

Au rayon des bonnes nouvelles, la progression de la production locale :

En effet, pour les marchés européens, le streaming a également permis d’ « horizontaliser » le marché. Les artistes locaux trustent de plus en plus le Top 10 albums, permettant aux labels de miser sur des artistes « du cru ».

Le mariage des artistes et des marques :

Les investissements du label forment la 1^re pièce de l’édifice artistique du nouveau talent. D’autres sources de revenus peuvent s’offrir à lui notamment grâce aux marques et ceux de plusieurs façons différentes :

. Si leur musique est utilisée pour un jeu, un film, un programme de télévision ;

. Ou en s’associant aux marques pour développer des produits;

À noter : Véritable sponsoring, ces partenariats marques/artistes permettent à l’artiste de percevoir généralement 90% des revenus de ces accords.

Pour conclure, la diversité et la complexité du monde numérique ont obligé les labels à plus de réactivité et d’investissement. Force est de constater que même si les ventes s’érodent la présence des labels demeure encore indispensable. Pour combien de temps encore ?

Retrouvez l’intégralité de cette étude disponible en ligne.

*La Fédération internationale de l’industrie phonographique¹, en anglais International Federation of the Phonographic Industry (IFPI) est un organisme syndical international, fondé en 1933.. Depuis 1996, l’IFPI délivre des certifications de platine pour tout album ayant été vendu à au moins 1 million d’exemplaires en Europe. Seuls les albums dont la date de première sortie est postérieure à 1994 sont éligibles.

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